Edward Hopper en celuloide

Sin tiempo para la publicación de esta noticia se me ocurre que Edward Hopper también trabajaba la dimensión tiempo. Esta puede parecer una afirmación tremenda y lo es, el que lo pueda entender lo compartirá conmigo, no es un arcano. Edward Hopper, pintor y relator del american way of life desde el realismo metafísico, realizó un formidable trabajo para llevar diversas dimensiones hasta el lienzo: luces y sombras, hiperrealismo repleto de lecturas, a veces más surdas que absurdas, a veces poéticas y siempre muy descriptivas de sus entornos en la america emergente contemporánea.

La noticia es que Gustav Deutsch se ha atrevido ha proporcionarnos una lectura cinematográfica del trabajo de Hopper con el film “Shirley. Visiones de una realidad” ¿una película onírica entre la ficción y el videoarte? Eso dicen…

Sus representaciones figurativas deben haber representado un desafío para la realización fotográfica de la película, porque muchas de las escenas pintadas por Hopper son imposibles y aunque aparezcan en formato hiperrealista son dimensiones deformadas con juegos de luces muy trabajados.

Centro de actividades culturales, ocio y deportivas en Jávea

En 2013 abrió una curiosa instalación en Jávea. Se trata de un espacio multifuncional que impulsa actividades docentes, lúdicas, creativas o deportivas. La característica de centro convivencial logra su cenit incorporando en sus instalaciones un hostel con habitaciones, literas y equipamientos propios de un albergue además de una cocina y espacios de lectura o actividades.

En su corta trayectoria desde junio de 2013 ya han completado una interesante agenda de actividades de diversas ámbitos, sala de conciertos, sala de exposiciones e incluso fueron el plató de grabación en una producción para una TV finlandesa en sus espacios.

En 2015 han iniciado una nueva singladura adicional orientando sus actividades para proporcionar servicios hacia las redes de coworkers. La generación millennials y las hábitos de vida de los profesionales digitales ubican el centro de trabajo en cualquier parte del planeta con una alta tasa de conectividad para la realización de proyectos que requieren diversos profesionales trabajando coordinadamente en formato business hub con dispersión geográfica y amplia movilidad temporal.

Las arquitecturas socio-laborales del siglo XXI en algunas tareas de desarrollo vinculados a tecnológicas, TICs y start-ups requieren espacios con climatología y condiciones para el disfrute hedonista del tiempo libre, espacios con óptimas condiciones para el desempeño profesional y conectividad de diversos perfiles profesionales en clave de cooperatividad y movilidad. Quizás estemos asistiendo al germen de un microsistema con aromas Silicon Valley en el mediterráneo.


Visitar espacio desde google maps

Un golpe de dados jamás abolirá el azar. Re-interpretación de Michalis Pichler

Stéphane Mallarmé, poeta y tipógrafo, precursor del espacio en blanco en la poesía, dijo que el verso no debía componerse de palabras, sino de intenciones, y todas las palabras borrarse ante la sensación… De él nació en 1897 la pieza “Un coup de dés jamais n’abolira le hasard “, que como muchos de sus trabajos fue reinterpretado y musicalizado por diversos compositores.

Esta breve reseña a Mallarmé nos llega desde una interpretación (video abajo) de su obra, hecha por Michalis Pichler, un artista berlines.

Michalis Pichler despierta nuestro interes especialmente como autor de un interesante texto que supone un manifiesto apropiacionista del que nos encanta especialmente su tercer apartado y dice: A mí me parece, que la firma del autor, ya sea un artista, cineasta o un poeta, parece ser el comienzo del sistema de la mentira, que todos los poetas, los artistas tratan de establecer, para defenderse, no sé exactamente contra qué. Se trata de una premisa de la ingenuidad creativa pura contra la génesis de la propiedad intelectual, una denuncia a la perversidad que supone -en el orden de la comunicación- considerar un espacio compartimentado de derechos individuales precursores de parcelas monetarizables en oposición al espacio común para la siembra de ideas.

Enfatizaremos nuestra querencia también -sin obviar su contexto- por los apartados 11. El plagio es necesario, implica progreso, 15. (el silencio, la nada, la ausencia de sema) y 18. Ningún poeta, ningún artista de cualquier arte tiene su significado completo en solitario.

Declaraciones sobre la apropiación / Statements on Appropriation by Michalis Pichler (2009)

1. if a book paraphrases one explicit historical or contemporary predecessor in title, style and/or content, this technique is what I would call a “greatest hit”

2. Maybe the belief that an appropriation is always a conscious strategic decision made by an author is just as naive as believing in an “original” author in the first place.

3. It appears to me, that the signature of the author, be it an artist, cineast or poet, seems to be the beginning of the system of lies, that all poets, all artists try to establish, to defend themselves, I do not know exactly against what.

4. Custom having once given the name of ” the ancients ” to our pre-Christian ancestors, we will not throw it up against them that, in comparison with us experienced people, they ought properly to be called children, but will rather continue to honor them as our good old fathers.

5. It is nothing but literature!

6. there is as much unpredictable originality in quoting, imitating, transposing, and echoing, as there is in inventing.

7. For the messieurs art-critics i will add, that of course it requires a far bigger mastery to cut out an artwork out of the artistically unshaped nature, than to construct one out of arbitrary material after ones own artistic law.

8. The authenticity of a thing is the essence of all that is transmissible from its beginning, ranging from its substantive duration to its testimony to the history which it has experienced.

9. Intellectual Property is the oil of the 21st century

10. Certain images, objects, sounds, texts or thoughts would lie within the area of what is appropriation, if they are somewhat more explicit, sometimes strategic, sometimes indulging in borrowing, stealing, appropriating, inheriting, assimilating… being influenced, inspired, dependent, indebted, haunted, possessed, quoting, rewriting, reworking, refashioning… a re-vision, re-evaluation, variation, version, interpretation, imitation, proximation, supplement, increment, improvisation, prequel… pastiche, paraphrase, parody, forgery, homage, mimicry, travesty, shan-zhai, echo, allusion, intertextuality and karaoke.

11. Plagiarism is necessary, progress implies it.

12. Ultimately, any sign or word is susceptible to being converted into something else, even into its opposite.

13. Like Bouvard and Pecuchet, those eternal copyists, both sublime and comical and whose profound absurdity precisely designates the truth of writing, the writer can only imitate a gesture forever anterior, never original

14. The world is full of texts, more or less interesting; I do not wish to add any more.

15.

16. The question is: what is seen now, but will never be seen again?

17. Détournement reradicalizes previous critical conclusions that have been petrified into respectable truths and thus transformed into lies.

18. No poet, no artist, of any art has his complete meaning alone

Un coup de dés jamais n’abolira le hasard         Michalis Pichler, 2009

Todo el texto del poema de Stéphane Mallarmé, se recorta y se interpreta en un piano automático: Pianola Metrostyle. La disposición tipográfica de las palabras está remplazada por los espacios que dan lugar a sonidos…

Existe un libro de Michalis Pichler publicado en 2008 en Berlín. La obra es una copia de cierre de la edición de 1914 del poema del poeta francés simbolista Stéphane Mallarmé, pero con todas las palabras cortadas por láser, de una manera que corresponde directamente a la disposición tipográfica utilizada por Mallarmé para articular el texto. Mallarmé había escrito el poema en 1897, también lo vio publicado en una revista llamada Cosmópolis, pero dejó muchas notas en cuanto a cómo se debía componer, instrucciones que se llevaron finalmente a cabo 16 años después de su muerte, en 1914. En 1969 esta obra fue consignada por Marcel Broodthaers, que sustituyó las palabras por rayas negras y reemplazó la clasificación ‘POEME’ en la portada.

Un prefacio cuenta con todo el poema escrito como un bloque de texto con cada línea separada por una barra (/) en la edición de este libro. El bloque de transcripción del texto de Mallarmé se llevó a cabo en 1969 por Broodthaers. La cubierta es un facsímil de la portada original, publicado en 1914 por la Librairie Gallimard, 500 copias se producen en papel, 90 en papel translúcido y 10 sobre placas de vidrio acrílico.

Una versión del libro se puede reproducir en un piano automático, esta es la pieza vista aquí e interpretada en un Themodist Pianola Metrostyle de 1910.

Ole, con Ole y Olé… Bulerías contra el modernismo creativo bancario y Bankia. Flashmob

Se llaman FLO6x8 y son un colectivo creativo performer, realizan -entre otras cosas- flashmobs en las entidades bancarias y activismo político de denuncia sobre la falta de ética en el negocio bancario, lo hacían antes incluso de la dimensión más catastrófica de la insondable desverguenza en la gestíon de las cajas de ahorros y su agujero inmobiliario.

En este enlace se puede ver otra potente flashmob del colectivo FLO6x8. Se trata de un activismo cultural y político que utiliza las expresiones flamencas como “forma de subversión contra el capitalismo” y con carácter performer que trasciende online con la divulgación de audiovisuales en su web.

Flashmobs es una forma específica de las Smartmob, término que describe a un grupo de personas que se reúnen de repente en un lugar público para hacer algo inusual por un breve período de tiempo y luego se dispersa rápidamente. “flashmob” ha sido utilizado por los medios de comunicación y promotores para referirse a casi cualquier forma de multitud inteligente.

El valor añadido de estos movimientos existe en los lugares comunes de la comunicación ciudadana cotidiana y rutinaria que acaban transformandose en escenarios creativos. Estas acciones resultan en una siembra de democracia comunicativa veraz en el tejido social, expresiones sociales dotadas de imaginación e ingenio para cautivar la atención, denunciando injusticias de una manera impactante y sin conflictos violentos. Muchas veces estos movimientos se organizan espontáneamente a través de internet y de dispositivos móviles de comunicación con fines que puede ser completamente lúdicos o con una fuerte carga política. Vienen a ser una suerte de performers coordinados con cierta agilidad propiciada por las nuevas tecnologías de comunicación.

La magnitud generalista de esta historia de las Smartmob (multitud inteligente) indica que es una forma de organización social que nace y se estructura a través de las nuevas tecnologías de la información y las comunicaciones. La tendencia tiene una componente de compromiso ciudadano y un calado que no es solo un dominio estético sino tambien ético.

El término fue acuñado por Howard Rheingold en su libro Smart Mobs: The Next Social Revolution (Smart Mobs: La Próxima Revolución Social). Según Rheingold, “los smart mobs son un indicador de la evolución de las tecnologías de comunicación y son estas las que le otorgan poderes a las personas”. Algo así como una mayor madurez de la condición de ciudadanía en los ámbitos de la comunicación escénica, pública y mediática.

Realmente este tipo de fenoménos nos traen una dimensión de las futuras transformaciones sociales que establecerán equilibrios diferentes entre los agentes de comunicación. Hablamos de una reordenación del protagonismos e importancias a favor de los movimientos sociales en que los ciudadanos adquieren más relevancia gracias a las nuevas formas de comunicación. Asistimos a la decadencia de las estructuras de comunicación verticales desde arriba hacia los ciudadanos (publicidad, instituciones, medios tradicionales, canales del arte, prensa) versus la proliferación de redes sociales de transmisión horizontal de la información que traen territorios de fertilidad creativa, espacios de transparencia informativa (vease wikileaks) y otros patrimonios de derechos de ciudadanía recuperados para la humanidad.

En los territorios de la actividad ciudadana imprevista, cabe reseñar la anécdota de los días posteriores a las elecciones presidenciales de EE.UU. de 2000. Zack Exley -un activista online- creó anonimamente un sitio web que permitía a la gente sugerir lugares para reuniones de protesta por el recuento supuestamente fraudulento de los votos en la Florida. El primer sábado después de las elecciones, más de 100 protestas significativas tuvieron lugar, muchas de ellas con miles de participantes y sin ningún esfuerzo de organización tradicional alguna, solo ciudadanos expresandose. Exley escribió en diciembre de 2000 que las auto-organizado protestas demostraron que un cambio fundamental se estaba produciendo en la vida política nacional de los EEUU. No es Internet en sí, sino la capacidad emergente y la posibilidad de que cualquier persona pueda comunicarse de manera gratuita y anónima con otras personas de manera horizontal, sin alteraciones de la información propiciadas desde gestores tradicionales de la comunicación (agencias de información, agencias gubernamentales), generalmente mediatizadas por “conveniencias”, equilibrios de poder, o simplemente contaminadas por intereses de audiencia con estímulos de componente más mercantiles que de servicio público.

El colectivo  FLO6x8 realizó una acción divulgativa en forma de audiovisuales llamada “tutorial de asalto a un banco” y cuenta con varios capítulos, el 3º en este enlace se llama “el golpe”

La 14ª edición de OVNI aterriza en Barna

“DEL OLVIDO”

14ª edición del festival OVNI que comienza el 8 de Mayo 2012 en Barna hasta el día 13. El festival se erige como una reunión de gramáticas visuales analíticas.
El evento estrena aparato de divulgación con un recopilatorio disponible online en alta calidad, unas 800 obras de vídeo en versión original y subtituladas.
Los actos del festival establecen un punto de apoyo narrativo sobre dos producciones:

  • La commune de Paris (1999) de Peter Watkins.
  • El Mahabharata (1989) de Peter Brook

La commune de Paris es un film que narra los acontecimientos de Paris en el levantamiento de los Comuneros. Peter Watkins considerado el padre del “falso documental”, referente de la vanguardia de los 60, acabó ganandose la indiferencia de la industria de realización en TV y cine, como también estuvo en el punto de mira de la censura por la racionalidad crítica de su discurso, tanto a nivel estético como político. El film es una representación de la Comuna de 1871 en clave de falso documental en que superpone el relato histórico y el presente que vive Francia. Una crítica social que pone en cuestión los dogmas de la sociedad moderna, inmigración, capitalismo y pseudocolonización, medios controlados, para finalmente poner de manifiesto la dificultad de la innovación política. 345″ en tres tandas no consecutivas.

El Mahabharata es la reconstrucción fílmica de una obra teatral que pudo ser vista una sola vez en España en 1985 en una única sesión maratoniana de 12 horas que entusiasmó al público. En origen el Majábharata es un relato en sanscrito que está escrito en dieciocho parvas (libros), un relato épico Indio escrito en el siglo III a.c.
En 1989 Peter Brook lleva su ‘Mahabharata’ al cine. El Mahabharata nos plantea el exilio como un periodo de extrema dureza, en el que la muerte está siempre presente, donde Brook muestra su pasión por la poesía y realiza un contacto directo con la vida, adentrandose en la búsqueda del conocimiento y del cuestionamiento radical de la realidad. Mahabharata es una epopeya con héroes, dioses, animales fabulosos, personajes vulnerables y con contradicciones totalmente humanas. 325″ en tres maravillosas tandas de overdose epico-poética
Una poética que se inscribe en la escenografía simple más sublime se dá en la escena que el Dharma, bajo la forma de un lago, interroga a los hermanos desterrados.

¿Qué es más rápido que el viento?. El pensamiento.

¿Qué podría cubrir a la tierra?. La oscuridad.

Dime un ejemplo de desgracia. La ignorancia.

De veneno. El deseo.

Un ejemplo de derrota. La victoria

¿Cual es el motivo del mundo?. El amor.

¿Qué es tu opuesto?. Yo mismo.

¿Qué es la locura?. Nuestro camino olvidado.

¿Y la rebelión?, ¿por qué se rebelan los hombres? Para encontrar la belleza, sea en la vida o en la muerte.

¿Y qué es inevitable para todos nosotros?. La Felicidad

¿Y cual es la mayor maravilla?. Que cada día, la muerte golpea y vivimos como si pensáramos que somos inmortales.

La muestra reúne y alterna las tandas programadas y subdivididas de los dos films-eje, con videos de diversos artistas en una temática troncal acerca del cuestionamieto de los paradigmas sociales, los derechos de los ciudadanos y el presente.
El festival plantea que su programación -a modo de ensayo- quiere reflexionar sobre algunas de las realidades más preocupantes de nuestro tiempo, en concreto la experiencia del conflicto con el poder y la inminencia de un enfrentamiento aún mayor. Un conflicto que sobrepasa el ámbito de lo político para afectar a la noción misma de civilización y cuyo origen parece emanar de la propia interioridad del ser humano.
Según la organización del evento los archivos del Observatorio tienen un carácter intencional y temático: facilitar una Crítica de la Cultura Contemporánea, utilizando diversas estrategias: video arte, documental independiente, arqueología de los mass media.

Los actos cuentan con la proyección inaugural de 20 obras, seleccionadas entre las 50 nuevas incorporaciones,por los artistas Toni Serra, alias Abu Alí y Joan Leandre, fundadores de OVNI. Roberta Bosco ha publicado un artículo donde desgrana sintéticamente la programación del evento.

Agenda de interes, sin duda.

Pola, pola… tiremos un pola

La firma polaroid es conocida por un producto fotográfico para el gran público, pero también ha tenido otros recorridos menos insignes. Recuerdo cuando en los estudios de fotografía (analógicos todavía) se disparaba con cámaras Sinar de fuelle (el rolls Roice de las cámaras en analógico) y antes de disparar la placa de diapositiva de 9×12 se disparaba un “pola” para tener la seguridad de las iluminaciones y de la naturaleza del color.
Muchos artistas, en una forma de pop-art, han empleado como instrumento la Polaroid. Grant Hamilton es uno de estos geniales “frikis” que nos han dado una percepción distinta y una lección de las posibilidades de las herramientas cotidianas utilizadas para la creatividad.
Hamilton ha realizado el audiovisual “Time Zero: The last year of Polaroid film“. El film es un homenaje a la cámara, a sus usuarios, recoge entrevistas a empleados y usuarios, nos traslada las emociones que se han movido en torno a la historia de esta cámara, las dificultades y éxitos de The Impossible Project.
Recordemos que la marca Polaroid dejo en 2008 de fabricar la película para estas cámaras y hubo una interesante iniciativa para conseguir de nuevo la fabricación de esta. El proyecto fué The Impossible Project y finalmente consiguió su propósito. El proyecto lo financia Ilford y tuvo origen en un grupo de operarios de la antigua fábrica de Polaroid en Enschede, Holanda. Ellos y algunos usuarios decidieron buscar inversores para reflotar la fábrica donde se producía el “Instant film”, la película que se revela sin agentes externos, en un pack. El espíritu del Impossible Project fue desarrollar un producto de calidad que fuera medioambientalmente adecuado y accesible económicamente.

Aquí el trailer del film documental que se estrenó en Film Festival Boston este pasado 28 de abril y nos cuenta el histórico de esta cámara.

Ciriak de nuevo

Desde hace tiempo seguimos la trayectoria de Cyriak Harris, ¡que es una curva ascendente! desde cyriak’s animation mix -cinco años atras- pasando por Cycles de hace dos años. Cyriak ha depurado técnicas e implementado recursos múltiples en su arsenal creativo.

Denominado el dalí de la animación -por su carga surrealista y a veces psicodélica- siempre se caracteriza por un estilo propio y una variopinta oferta comunicatica que abarca la composición musical “maquinera”, el comic y la ilustración o la animación realizada con diversidad de herramientas.

Un interesante rato pasaremos merodeando por la website de este creador o haciendo una búsqueda en Youtube.

El audiovisual presentado en este post fué dirigido por Cyriak en 2010 y es una muestra de su estilo, contruido en las repeticiones visuales, el absurdo y esta vez la composición musical sonido Ninja Tune, de Eskmo en su álbum “Moving Glowstream” de debut para el sello con un EP que recupera uno de los temas más accesibles, “We Got More”. Genial

A derribo. Obsolescencia programada

EL DISCURSO DE LA SAPIENCIA SUSTENTADA EN LA ESCLEROSIS ACADÉMICA Y FUNCIONARIAL AL SERVICIO DE UNA VISIÓN COSMOGÓNICA DE LA HISTORIA DEL ARTE.

Hemos rescatado este video-extracto del ciclo de Conferencias sobre “Ganarse la vida en el Arte, la Literatura y la Música” que se celebraron en el 2011. En el corte de Francisco Calvo Serraller, éste introduce una pragmática visión de la supervivencia profesional del artista en perspectiva prosaica y apunta el fenómeno semiótico del arte contemporáneo en el contrato de comunicación con el espectador desde el panegírico post-Panovsky. El recorrido de las conferencias tuvo un alcance también diacrónico desde la realidad de Rubens, Blasco Ibáñez y Beethoven, esclarecedor e interesante desde la historia del arte, menos que ver con las expectativas del título de las conferencias sobre el universo contemporáneo, máxime con el panorama de debate estructural en torno a soportes tecnológicos de divulgación cultural.

Vale la pena tomar el tiempo escuchando estos cortes y los audios completos de esta “élite” intelectual de la cultura del arte para añorar en estas conferencias una aproximación de su enunciado al análisis historiográfico de la modernidad comunicativa en la cultura creativa. La distancia quística de la comunidad académica y funcionarial del arte respecto del momento cultural, tecnológico y social huele a añada, la de los vinos vetustos que adquieren solera, es el discurso de la sapiencia sustentada en la esclerosis académica y funcionarial al servicio de una visión cosmogónica de la historia del arte.

Nosotros quisiéramos vindicar la necesidad de una intelectualidad académica comprometida con su tiempo, sin tecnofilias ni tecnofobias, conformada en el análisis semiótico que estudie epismológicamente los procesos culturales como procesos comunicativos, la dimensión de la obra de arte como “lugar común” para la recreación de la cultura y su memoria, un diálogo social entre vidas, símbolos y lenguajes, conectando cronológicamente la historia del arte con el presente, conciliando el relato de las bellas artes clásicas (fagocitadas las vanguardias) y la realidad sociológica necesitada del estudio de una sociedad que está transformando protocolos de comunicación, divulgación, distribución, consumo y producción cultural.

En definitiva, lo que vemos es que una institución convoca a celebridades que llegan y sueltan una tesis, presentación o disquisición con la independencia que otorga el coeficiente de tarima y el prestigio, ¿y resulta qué? Pués que la expectativa de una proclama como es el título del ciclo “Ganarse la vida en el Arte, la Literatura y la Música” queda diluida. Tan interesante propuesta titular debería conducir inexorablemente a un debate sobre los nuevos medios de distribución cultural y a la conveniente aportación académica de los ilustrados intelectuales en el contexto de transformación comunicativa y social de las TIC. ¿Obsolescencia programada?

Ciclos de Conferencias Fundación Juan March.
Ganarse la vida en el arte, la literatura y la música
Audio completo Francisco Calvo Serraller
Audio completo Alejandro Vergara
Audio completo José-Carlos Mainer
Audio completo Joan Oleza
Audio completo Antonio Gallego
Audio completo Juan José Carreras

ser digital

Ser digital. José Ramón Alcalá

SER DIGITAL: MANUAL DE SUPERVIVENCIA PARA CONVERSOS A LA CULTURA ELECTRÓNICA.
By José Ramón Alcalá *

Recientemente ha sido editado el libro “Ser Digital” de Jose Ramón Alcalá por el Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Este ejemplar es accesible y se encuentra para descargar en la website de la Universidad de Chile.
En este libro el autor comparte una mirada retrospectivo-prospectiva acerca de la transición de la cultura analógica hacia la digital. Su experiencia como artista formado en la disciplina desde postulados analógicos, como su condición de investigador iniciático en la órbita digital desde la génesis tecnológica, aporta salpimentadas anécdotas personales a una batería argumental solvente y actual.
Nos encontraremos con una crónica secuencial, un análisis de ecosistema conceptual, experiencias auto biográficas, micro-relatos de historias de diversos eventos y creaciones, en ocasiones un aire de relato narrativo de marbete propio de autor.

Jose Ramón Alcalá -con su trayectoria- reclama implícitamente un camino de responsabilidad cívica didáctica. Alcalá es -con otras excepciones- contrapunto, su condición de investigador, docente y artista inquieto le lleva inexorablemente a cualificarse desde siempre, conocer y transferir conocimiento a alumnos y comunidad creativa en un universo pedagógico armonizado con la realidad tecnológica y en un marco histórico donde el intercambio de información digital facilita más que nunca la colaboración incluso más allá de barreras geográficas. Este espíritu y actitud es el que requiere la docencia y nosotros desde e-crayon frecuentemente vindicamos, ambientes de experiencias empíricas y preguntas que deben responderse desde la cognitiva ontológico-epistemológica, atmósferas orientadas por personas inquietas, en constante evolución tecnológica. En definitiva, I+D académico aplicado a formar opinión y criterio con un conocimiento tecnológico de soporte, donde la cooperación establece un paradigma con la competitividad.

Leyendo este libro uno se traslada a una comparativa de dos mundos que coexisten en diversos espacios, analógico y digital. Pretextos, formas y configuraciones que determinan la existencia de las personas y modulan maneras en la comunicación a través de todas sus expresiones sociales.

El libro no nos lleva necesariamente a este apartado pero nosotros sí queremos ver la diferencia que queda establecida respecto de un mundo académico de las artes donde se observa complacencia y laxitud docente. Sobrepasados los conocimientos por causa del momento socio-tecnológico e incomprendidas las claves semióticas de la comunicación digital, aquí, hoy y ahora ya existe una nueva arquitectura comunicativa que transforma a velocidad importante desbordando la pasividad institucional para implementar formación continua entre profesores en activo que continúan impartiendo la disciplina artística con una suerte de conformismo monoteísta de proporciones áureo-analógicas y/o con importantes lagunas tecnológicas.

La aportación de “ser digital” es la de proyectar una sucesión de fotogramas que componen un stop-motion en planos diversos desde la génesis tecnológica hasta la actualidad creativa y social. Un análisis a veces autobiográfico, un relato sincrónico y conceptual en perfecta correspondencia contemporánea. Celebramos su llegada.


*José Ramón Alcalá Mellado (Valencia, 1960) es Catedrático de Procedimientos Gráficos de Expresión y Tecnologías de la Imagen en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (Universidad de Castilla-La Mancha). Director del Museo Internacional de Electrografía – Centro de Innovación en Arte y Nuevas Tecnologías (MIDECIANT), desde su creación, en 1989. Creador y pensador multidisciplinar, trabaja desde la década de los ‘80 en el campo del arte y los nuevos medios. Investigador principal del grupo Interfaces Culturales; Arte y Nuevos Medios de la UCLM desde 2006, lo ha sido también del grupo Gráfica Digital entre 2001 y 2005, liderando numerosos proyectos y contratos de I+D+i en torno a las aplicaciones de las nuevas tecnologías en la creación artística, el New Media Art y la museografía virtual para diversos organismos e instituciones, como la Comunidad Europea, el Ministerio de Ciencia y Tecnología y varias Comunidades Autónomas, así como para numerosas empresas y corporaciones tecnológicas internacionales y fundaciones artísticas y culturales iberoamericanas.

Blog del Museo Internacional de Electrografía (Mideciant)

Reseña en el Blog del País “El arte en la edad del silicio”. Roberta Bosco y Stefano Caldana, periodistas dedicados a Net-art

Otras publicaciones del autor: La piel de la imagen. Ensayos sobre gráfica en la cultura digital. Editorial Sendema Descargar

caras_B

Conservación, exhibición y videoarte.

Con motivo de las nuevas incorporaciones de videoartistas al catálogo de videos de la distribuidora Hamaca online a través del proyecto CARAS B, hemos querido recordar el leitmotiv de esa andadura.
Caras B surgió en la investigación sobre la historia del vídeo arte en España. Vídeos que por una razón u otra permanecían ocultos e invalidados por las dinámicas de las instituciones y el sistema del arte audiovisual. En algunos casos se trataba de vídeos que desgraciadamente habían caducado, ya que ninguna muestra o festival suele admitir trabajos de más de tres años a no ser que su autor ascienda al estrellato o fallezca.
Casi siempre existe un plan B. Los investigadores Nekane Aramburu y Carlos Trigueros habían conseguido censar a 731 artistas que trabajan con vídeo. Las premisas lanzadas establecían ser obras de vídeo arte realizadas en España entre 1970 y 2010, con una duración no superior a diez minutos, con una selección de ello se compuso una muestra de visionado que AECID, -dentro de su departamento de promoción cultural exterior- también dispone y ofrece a embajadas y centros culturales.
La muestra contempla cinco programas, de entre sesenta y setenta y dos minutos, con la excepción de uno de tres horas, es decir, un total de siete horas y media que se dan a conocer como proyección monocanal con todos los vídeos subtitulados al inglés.
Agrupados los videos por decadas y afinidades temáticas, devienen en los cinco programas.
En la ciudad (sesenta minutos) fue una propuesta de experimentación audiovisual, realizada en celuloide, como trabajo colectivo sobre los distintos puntos de vista de la urbe como pretexto y sujeto. En el segundo programa, Expansiones formales (setenta y dos minutos) se propone una presentación de cuestiones en torno a la performance, danza y plástica expandida como cuadro en movimiento. El tercer programa, Álbum familiar (setenta y un minutos), incide en las relaciones entre los individuos de una misma comunidad, entre la familia y la persona. Sin embargo el cuarto, Testimonios derivados (sesenta y nueve minutos y medio), traslada la mirada hacia cuestiones antropológicas y de identidad, cuestiones políticas y poéticas hasta la relación del artista ante su reflejo. Se cierra la muestra con un solo trabajo Devenir vídeo, de tres horas de duración, realizado por Gabriel Villota, a partir de entrevistas a ciertos autores e interlocutores del medio sobre cuestiones intrínsecas y problemas endémicos de la práctica artística con vídeo en España. + info
El circuito de exhibición ha tenido alcance en agosto de 2011 hasta el Thai Short & Film Festival de Bangkok, en septiembre en el EXiS Experimental Film Festival de Seul y el Instituto Cervantes de Sydney hasta diciembre de 2011.
Se ha editado un libro acerca de la muestra, el trabajo de comisariado e inherente historigrafía. Según Nekane Aramburu y Carlos Trigueros: “La muestra Caras B de la historia del vídeo arte en España articula sus teorías y tesis con la edición de este libro, como catálogo razonado editado por AECID, promotor del proyecto, con la colaboración de Mimadre ediciones. Entre los propósitos de este libro se encuentra el de ser una guía sobre la historia del vídeo arte en España desde un punto de vista vinculado al de los artistas. Las distintas voces que han dinamizado el panorama del vídeo durante estos años, proporcionan las pistas para obtener un mapa de impresiones de esta práctica artística en el Estado español. Textos exhaustivos sobre el acontecer del vídeo arte en España y fichas de cada una de las obras exhibidas.”

Ellos afirman: “El terreno del vídeo presenta un panorama complejo y versátil que consideramos que es necesario analizar para conocer la evolución de las practicas artísticas audiovisuales en España y del momento en el que nos encontramos. Los artistas que desde los años 60 y 70 iniciaron las primeras experimentaciones, los caminos abiertos en las discusiones de los años 90 cuando reconocíamos el vídeo como una disciplina que «no había muerto» son algunos de ellos. Las vías abiertas, por la inserción de tecnologías recientes y nuevas actitudes colaborativas, han dado lugar a obras que precisan de una catalogación y análisis teórico actualizado. Este libro debe ser tomado como una redacción base para entender lo que fuimos y lo que somos y asentar los cimientos para una rigurosa investigación documental que es necesario expandir y complementar.

Título: Caras B de la historia del video arte en España
Editores: Nekane Aramburu y Carlos Trigueros
Publicado por: Mimadre ediciones

Street art. Talented people: Sam 3

SAM3 es un artista que pinta a lo grande, y cuando decimos a lo grande es big extra size. Pinta sombras y siluetas en entornos urbanos. Crítico y reflexivo, trabaja la alegoría y juega con las dimensiones proponiendo juegos en la rutina urbana. También utiliza otras fórmulas de expresión urbana como las esculturas efímeras de cartón u otro tipo de instalaciones.
Unos dicen que nacido en Elche, otros en Caravaca, hemos leído que SAM3 vive y trabaja en Madrid, España, que su nombre es Samuel Marin. Es más fácil saber de su trabajo que de su persona, sus murales callejeros no pasan inadvertidos y se encuentran en diversos lugares de la geografía del planeta. Se pueden localizar geográficamente en AGENCY OF URBAN SUBCONSCIOUS en el desplegable del footer.

Una de las ilustraciones que más nos gustan de S A M 3 es esta estampa realizada durante el FAME festival 09 y que en otra versión está en una pared de Valencia.

Also we add Wall painting time-lapse by Sam3 in Lisboa during CRONO. Photos by Alexander SIlva, edited by Sam3

Aunque uno de los trabajos q más nos llamó la atención es este. Se trata de una imagen “abrupta o socialmente difícil” que no puede ser vista en la totalidad por el viadante que transita por la calle, es necesaria una perspectiva específica ubicada en un ventanuco de la calle para contemplar la obra. Realizada en el Fame festival 2011

Fame festival 2011

Making of

+ info obra el artista en S A M 3

Workflow ilustración

Flujo de trabajo de una ilustración desde el esquema analógico a la digitalización y procesado en photoshop.
Vídeo de linea del tiempo que muestra el proceso de creación de una ilustración para portada de la revista Comic Book Xabiroi. Más información sobre el autor: deisign

El resultado final es este

Vía: donostikultura.com

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