Creaciones-Criaturas-Artefactos

Propuestas diversas

Edward Hopper en celuloide

Sin tiempo para la publicación de esta noticia se me ocurre que Edward Hopper también trabajaba la dimensión tiempo. Esta puede parecer una afirmación tremenda y lo es, el que lo pueda entender lo compartirá conmigo, no es un arcano. Edward Hopper, pintor y relator del american way of life desde el realismo metafísico, realizó un formidable trabajo para llevar diversas dimensiones hasta el lienzo: luces y sombras, hiperrealismo repleto de lecturas, a veces más surdas que absurdas, a veces poéticas y siempre muy descriptivas de sus entornos en la america emergente contemporánea.

La noticia es que Gustav Deutsch se ha atrevido ha proporcionarnos una lectura cinematográfica del trabajo de Hopper con el film “Shirley. Visiones de una realidad” ¿una película onírica entre la ficción y el videoarte? Eso dicen…

Sus representaciones figurativas deben haber representado un desafío para la realización fotográfica de la película, porque muchas de las escenas pintadas por Hopper son imposibles y aunque aparezcan en formato hiperrealista son dimensiones deformadas con juegos de luces muy trabajados.

Un golpe de dados jamás abolirá el azar. Re-interpretación de Michalis Pichler

Stéphane Mallarmé, poeta y tipógrafo, precursor del espacio en blanco en la poesía, dijo que el verso no debía componerse de palabras, sino de intenciones, y todas las palabras borrarse ante la sensación… De él nació en 1897 la pieza “Un coup de dés jamais n’abolira le hasard “, que como muchos de sus trabajos fue reinterpretado y musicalizado por diversos compositores.

Esta breve reseña a Mallarmé nos llega desde una interpretación (video abajo) de su obra, hecha por Michalis Pichler, un artista berlines.

Michalis Pichler despierta nuestro interes especialmente como autor de un interesante texto que supone un manifiesto apropiacionista del que nos encanta especialmente su tercer apartado y dice: A mí me parece, que la firma del autor, ya sea un artista, cineasta o un poeta, parece ser el comienzo del sistema de la mentira, que todos los poetas, los artistas tratan de establecer, para defenderse, no sé exactamente contra qué. Se trata de una premisa de la ingenuidad creativa pura contra la génesis de la propiedad intelectual, una denuncia a la perversidad que supone -en el orden de la comunicación- considerar un espacio compartimentado de derechos individuales precursores de parcelas monetarizables en oposición al espacio común para la siembra de ideas.

Enfatizaremos nuestra querencia también -sin obviar su contexto- por los apartados 11. El plagio es necesario, implica progreso, 15. (el silencio, la nada, la ausencia de sema) y 18. Ningún poeta, ningún artista de cualquier arte tiene su significado completo en solitario.

Declaraciones sobre la apropiación / Statements on Appropriation by Michalis Pichler (2009)

1. if a book paraphrases one explicit historical or contemporary predecessor in title, style and/or content, this technique is what I would call a “greatest hit”

2. Maybe the belief that an appropriation is always a conscious strategic decision made by an author is just as naive as believing in an “original” author in the first place.

3. It appears to me, that the signature of the author, be it an artist, cineast or poet, seems to be the beginning of the system of lies, that all poets, all artists try to establish, to defend themselves, I do not know exactly against what.

4. Custom having once given the name of ” the ancients ” to our pre-Christian ancestors, we will not throw it up against them that, in comparison with us experienced people, they ought properly to be called children, but will rather continue to honor them as our good old fathers.

5. It is nothing but literature!

6. there is as much unpredictable originality in quoting, imitating, transposing, and echoing, as there is in inventing.

7. For the messieurs art-critics i will add, that of course it requires a far bigger mastery to cut out an artwork out of the artistically unshaped nature, than to construct one out of arbitrary material after ones own artistic law.

8. The authenticity of a thing is the essence of all that is transmissible from its beginning, ranging from its substantive duration to its testimony to the history which it has experienced.

9. Intellectual Property is the oil of the 21st century

10. Certain images, objects, sounds, texts or thoughts would lie within the area of what is appropriation, if they are somewhat more explicit, sometimes strategic, sometimes indulging in borrowing, stealing, appropriating, inheriting, assimilating… being influenced, inspired, dependent, indebted, haunted, possessed, quoting, rewriting, reworking, refashioning… a re-vision, re-evaluation, variation, version, interpretation, imitation, proximation, supplement, increment, improvisation, prequel… pastiche, paraphrase, parody, forgery, homage, mimicry, travesty, shan-zhai, echo, allusion, intertextuality and karaoke.

11. Plagiarism is necessary, progress implies it.

12. Ultimately, any sign or word is susceptible to being converted into something else, even into its opposite.

13. Like Bouvard and Pecuchet, those eternal copyists, both sublime and comical and whose profound absurdity precisely designates the truth of writing, the writer can only imitate a gesture forever anterior, never original

14. The world is full of texts, more or less interesting; I do not wish to add any more.

15.

16. The question is: what is seen now, but will never be seen again?

17. Détournement reradicalizes previous critical conclusions that have been petrified into respectable truths and thus transformed into lies.

18. No poet, no artist, of any art has his complete meaning alone

Un coup de dés jamais n’abolira le hasard         Michalis Pichler, 2009

Todo el texto del poema de Stéphane Mallarmé, se recorta y se interpreta en un piano automático: Pianola Metrostyle. La disposición tipográfica de las palabras está remplazada por los espacios que dan lugar a sonidos…

Existe un libro de Michalis Pichler publicado en 2008 en Berlín. La obra es una copia de cierre de la edición de 1914 del poema del poeta francés simbolista Stéphane Mallarmé, pero con todas las palabras cortadas por láser, de una manera que corresponde directamente a la disposición tipográfica utilizada por Mallarmé para articular el texto. Mallarmé había escrito el poema en 1897, también lo vio publicado en una revista llamada Cosmópolis, pero dejó muchas notas en cuanto a cómo se debía componer, instrucciones que se llevaron finalmente a cabo 16 años después de su muerte, en 1914. En 1969 esta obra fue consignada por Marcel Broodthaers, que sustituyó las palabras por rayas negras y reemplazó la clasificación ‘POEME’ en la portada.

Un prefacio cuenta con todo el poema escrito como un bloque de texto con cada línea separada por una barra (/) en la edición de este libro. El bloque de transcripción del texto de Mallarmé se llevó a cabo en 1969 por Broodthaers. La cubierta es un facsímil de la portada original, publicado en 1914 por la Librairie Gallimard, 500 copias se producen en papel, 90 en papel translúcido y 10 sobre placas de vidrio acrílico.

Una versión del libro se puede reproducir en un piano automático, esta es la pieza vista aquí e interpretada en un Themodist Pianola Metrostyle de 1910.

Ole, con Ole y Olé… Bulerías contra el modernismo creativo bancario y Bankia. Flashmob

Se llaman FLO6x8 y son un colectivo creativo performer, realizan -entre otras cosas- flashmobs en las entidades bancarias y activismo político de denuncia sobre la falta de ética en el negocio bancario, lo hacían antes incluso de la dimensión más catastrófica de la insondable desverguenza en la gestíon de las cajas de ahorros y su agujero inmobiliario.

En este enlace se puede ver otra potente flashmob del colectivo FLO6x8. Se trata de un activismo cultural y político que utiliza las expresiones flamencas como “forma de subversión contra el capitalismo” y con carácter performer que trasciende online con la divulgación de audiovisuales en su web.

Flashmobs es una forma específica de las Smartmob, término que describe a un grupo de personas que se reúnen de repente en un lugar público para hacer algo inusual por un breve período de tiempo y luego se dispersa rápidamente. “flashmob” ha sido utilizado por los medios de comunicación y promotores para referirse a casi cualquier forma de multitud inteligente.

El valor añadido de estos movimientos existe en los lugares comunes de la comunicación ciudadana cotidiana y rutinaria que acaban transformandose en escenarios creativos. Estas acciones resultan en una siembra de democracia comunicativa veraz en el tejido social, expresiones sociales dotadas de imaginación e ingenio para cautivar la atención, denunciando injusticias de una manera impactante y sin conflictos violentos. Muchas veces estos movimientos se organizan espontáneamente a través de internet y de dispositivos móviles de comunicación con fines que puede ser completamente lúdicos o con una fuerte carga política. Vienen a ser una suerte de performers coordinados con cierta agilidad propiciada por las nuevas tecnologías de comunicación.

La magnitud generalista de esta historia de las Smartmob (multitud inteligente) indica que es una forma de organización social que nace y se estructura a través de las nuevas tecnologías de la información y las comunicaciones. La tendencia tiene una componente de compromiso ciudadano y un calado que no es solo un dominio estético sino tambien ético.

El término fue acuñado por Howard Rheingold en su libro Smart Mobs: The Next Social Revolution (Smart Mobs: La Próxima Revolución Social). Según Rheingold, “los smart mobs son un indicador de la evolución de las tecnologías de comunicación y son estas las que le otorgan poderes a las personas”. Algo así como una mayor madurez de la condición de ciudadanía en los ámbitos de la comunicación escénica, pública y mediática.

Realmente este tipo de fenoménos nos traen una dimensión de las futuras transformaciones sociales que establecerán equilibrios diferentes entre los agentes de comunicación. Hablamos de una reordenación del protagonismos e importancias a favor de los movimientos sociales en que los ciudadanos adquieren más relevancia gracias a las nuevas formas de comunicación. Asistimos a la decadencia de las estructuras de comunicación verticales desde arriba hacia los ciudadanos (publicidad, instituciones, medios tradicionales, canales del arte, prensa) versus la proliferación de redes sociales de transmisión horizontal de la información que traen territorios de fertilidad creativa, espacios de transparencia informativa (vease wikileaks) y otros patrimonios de derechos de ciudadanía recuperados para la humanidad.

En los territorios de la actividad ciudadana imprevista, cabe reseñar la anécdota de los días posteriores a las elecciones presidenciales de EE.UU. de 2000. Zack Exley -un activista online- creó anonimamente un sitio web que permitía a la gente sugerir lugares para reuniones de protesta por el recuento supuestamente fraudulento de los votos en la Florida. El primer sábado después de las elecciones, más de 100 protestas significativas tuvieron lugar, muchas de ellas con miles de participantes y sin ningún esfuerzo de organización tradicional alguna, solo ciudadanos expresandose. Exley escribió en diciembre de 2000 que las auto-organizado protestas demostraron que un cambio fundamental se estaba produciendo en la vida política nacional de los EEUU. No es Internet en sí, sino la capacidad emergente y la posibilidad de que cualquier persona pueda comunicarse de manera gratuita y anónima con otras personas de manera horizontal, sin alteraciones de la información propiciadas desde gestores tradicionales de la comunicación (agencias de información, agencias gubernamentales), generalmente mediatizadas por “conveniencias”, equilibrios de poder, o simplemente contaminadas por intereses de audiencia con estímulos de componente más mercantiles que de servicio público.

El colectivo  FLO6x8 realizó una acción divulgativa en forma de audiovisuales llamada “tutorial de asalto a un banco” y cuenta con varios capítulos, el 3º en este enlace se llama “el golpe”

La 14ª edición de OVNI aterriza en Barna

“DEL OLVIDO”

14ª edición del festival OVNI que comienza el 8 de Mayo 2012 en Barna hasta el día 13. El festival se erige como una reunión de gramáticas visuales analíticas.
El evento estrena aparato de divulgación con un recopilatorio disponible online en alta calidad, unas 800 obras de vídeo en versión original y subtituladas.
Los actos del festival establecen un punto de apoyo narrativo sobre dos producciones:

  • La commune de Paris (1999) de Peter Watkins.
  • El Mahabharata (1989) de Peter Brook

La commune de Paris es un film que narra los acontecimientos de Paris en el levantamiento de los Comuneros. Peter Watkins considerado el padre del “falso documental”, referente de la vanguardia de los 60, acabó ganandose la indiferencia de la industria de realización en TV y cine, como también estuvo en el punto de mira de la censura por la racionalidad crítica de su discurso, tanto a nivel estético como político. El film es una representación de la Comuna de 1871 en clave de falso documental en que superpone el relato histórico y el presente que vive Francia. Una crítica social que pone en cuestión los dogmas de la sociedad moderna, inmigración, capitalismo y pseudocolonización, medios controlados, para finalmente poner de manifiesto la dificultad de la innovación política. 345″ en tres tandas no consecutivas.

El Mahabharata es la reconstrucción fílmica de una obra teatral que pudo ser vista una sola vez en España en 1985 en una única sesión maratoniana de 12 horas que entusiasmó al público. En origen el Majábharata es un relato en sanscrito que está escrito en dieciocho parvas (libros), un relato épico Indio escrito en el siglo III a.c.
En 1989 Peter Brook lleva su ‘Mahabharata’ al cine. El Mahabharata nos plantea el exilio como un periodo de extrema dureza, en el que la muerte está siempre presente, donde Brook muestra su pasión por la poesía y realiza un contacto directo con la vida, adentrandose en la búsqueda del conocimiento y del cuestionamiento radical de la realidad. Mahabharata es una epopeya con héroes, dioses, animales fabulosos, personajes vulnerables y con contradicciones totalmente humanas. 325″ en tres maravillosas tandas de overdose epico-poética
Una poética que se inscribe en la escenografía simple más sublime se dá en la escena que el Dharma, bajo la forma de un lago, interroga a los hermanos desterrados.

¿Qué es más rápido que el viento?. El pensamiento.

¿Qué podría cubrir a la tierra?. La oscuridad.

Dime un ejemplo de desgracia. La ignorancia.

De veneno. El deseo.

Un ejemplo de derrota. La victoria

¿Cual es el motivo del mundo?. El amor.

¿Qué es tu opuesto?. Yo mismo.

¿Qué es la locura?. Nuestro camino olvidado.

¿Y la rebelión?, ¿por qué se rebelan los hombres? Para encontrar la belleza, sea en la vida o en la muerte.

¿Y qué es inevitable para todos nosotros?. La Felicidad

¿Y cual es la mayor maravilla?. Que cada día, la muerte golpea y vivimos como si pensáramos que somos inmortales.

La muestra reúne y alterna las tandas programadas y subdivididas de los dos films-eje, con videos de diversos artistas en una temática troncal acerca del cuestionamieto de los paradigmas sociales, los derechos de los ciudadanos y el presente.
El festival plantea que su programación -a modo de ensayo- quiere reflexionar sobre algunas de las realidades más preocupantes de nuestro tiempo, en concreto la experiencia del conflicto con el poder y la inminencia de un enfrentamiento aún mayor. Un conflicto que sobrepasa el ámbito de lo político para afectar a la noción misma de civilización y cuyo origen parece emanar de la propia interioridad del ser humano.
Según la organización del evento los archivos del Observatorio tienen un carácter intencional y temático: facilitar una Crítica de la Cultura Contemporánea, utilizando diversas estrategias: video arte, documental independiente, arqueología de los mass media.

Los actos cuentan con la proyección inaugural de 20 obras, seleccionadas entre las 50 nuevas incorporaciones,por los artistas Toni Serra, alias Abu Alí y Joan Leandre, fundadores de OVNI. Roberta Bosco ha publicado un artículo donde desgrana sintéticamente la programación del evento.

Agenda de interes, sin duda.

Ciriak de nuevo

Desde hace tiempo seguimos la trayectoria de Cyriak Harris, ¡que es una curva ascendente! desde cyriak’s animation mix -cinco años atras- pasando por Cycles de hace dos años. Cyriak ha depurado técnicas e implementado recursos múltiples en su arsenal creativo.

Denominado el dalí de la animación -por su carga surrealista y a veces psicodélica- siempre se caracteriza por un estilo propio y una variopinta oferta comunicatica que abarca la composición musical “maquinera”, el comic y la ilustración o la animación realizada con diversidad de herramientas.

Un interesante rato pasaremos merodeando por la website de este creador o haciendo una búsqueda en Youtube.

El audiovisual presentado en este post fué dirigido por Cyriak en 2010 y es una muestra de su estilo, contruido en las repeticiones visuales, el absurdo y esta vez la composición musical sonido Ninja Tune, de Eskmo en su álbum “Moving Glowstream” de debut para el sello con un EP que recupera uno de los temas más accesibles, “We Got More”. Genial

caras_B

Conservación, exhibición y videoarte.

Con motivo de las nuevas incorporaciones de videoartistas al catálogo de videos de la distribuidora Hamaca online a través del proyecto CARAS B, hemos querido recordar el leitmotiv de esa andadura.
Caras B surgió en la investigación sobre la historia del vídeo arte en España. Vídeos que por una razón u otra permanecían ocultos e invalidados por las dinámicas de las instituciones y el sistema del arte audiovisual. En algunos casos se trataba de vídeos que desgraciadamente habían caducado, ya que ninguna muestra o festival suele admitir trabajos de más de tres años a no ser que su autor ascienda al estrellato o fallezca.
Casi siempre existe un plan B. Los investigadores Nekane Aramburu y Carlos Trigueros habían conseguido censar a 731 artistas que trabajan con vídeo. Las premisas lanzadas establecían ser obras de vídeo arte realizadas en España entre 1970 y 2010, con una duración no superior a diez minutos, con una selección de ello se compuso una muestra de visionado que AECID, -dentro de su departamento de promoción cultural exterior- también dispone y ofrece a embajadas y centros culturales.
La muestra contempla cinco programas, de entre sesenta y setenta y dos minutos, con la excepción de uno de tres horas, es decir, un total de siete horas y media que se dan a conocer como proyección monocanal con todos los vídeos subtitulados al inglés.
Agrupados los videos por decadas y afinidades temáticas, devienen en los cinco programas.
En la ciudad (sesenta minutos) fue una propuesta de experimentación audiovisual, realizada en celuloide, como trabajo colectivo sobre los distintos puntos de vista de la urbe como pretexto y sujeto. En el segundo programa, Expansiones formales (setenta y dos minutos) se propone una presentación de cuestiones en torno a la performance, danza y plástica expandida como cuadro en movimiento. El tercer programa, Álbum familiar (setenta y un minutos), incide en las relaciones entre los individuos de una misma comunidad, entre la familia y la persona. Sin embargo el cuarto, Testimonios derivados (sesenta y nueve minutos y medio), traslada la mirada hacia cuestiones antropológicas y de identidad, cuestiones políticas y poéticas hasta la relación del artista ante su reflejo. Se cierra la muestra con un solo trabajo Devenir vídeo, de tres horas de duración, realizado por Gabriel Villota, a partir de entrevistas a ciertos autores e interlocutores del medio sobre cuestiones intrínsecas y problemas endémicos de la práctica artística con vídeo en España. + info
El circuito de exhibición ha tenido alcance en agosto de 2011 hasta el Thai Short & Film Festival de Bangkok, en septiembre en el EXiS Experimental Film Festival de Seul y el Instituto Cervantes de Sydney hasta diciembre de 2011.
Se ha editado un libro acerca de la muestra, el trabajo de comisariado e inherente historigrafía. Según Nekane Aramburu y Carlos Trigueros: “La muestra Caras B de la historia del vídeo arte en España articula sus teorías y tesis con la edición de este libro, como catálogo razonado editado por AECID, promotor del proyecto, con la colaboración de Mimadre ediciones. Entre los propósitos de este libro se encuentra el de ser una guía sobre la historia del vídeo arte en España desde un punto de vista vinculado al de los artistas. Las distintas voces que han dinamizado el panorama del vídeo durante estos años, proporcionan las pistas para obtener un mapa de impresiones de esta práctica artística en el Estado español. Textos exhaustivos sobre el acontecer del vídeo arte en España y fichas de cada una de las obras exhibidas.”

Ellos afirman: “El terreno del vídeo presenta un panorama complejo y versátil que consideramos que es necesario analizar para conocer la evolución de las practicas artísticas audiovisuales en España y del momento en el que nos encontramos. Los artistas que desde los años 60 y 70 iniciaron las primeras experimentaciones, los caminos abiertos en las discusiones de los años 90 cuando reconocíamos el vídeo como una disciplina que «no había muerto» son algunos de ellos. Las vías abiertas, por la inserción de tecnologías recientes y nuevas actitudes colaborativas, han dado lugar a obras que precisan de una catalogación y análisis teórico actualizado. Este libro debe ser tomado como una redacción base para entender lo que fuimos y lo que somos y asentar los cimientos para una rigurosa investigación documental que es necesario expandir y complementar.

Título: Caras B de la historia del video arte en España
Editores: Nekane Aramburu y Carlos Trigueros
Publicado por: Mimadre ediciones

Street art. Talented people: Sam 3

SAM3 es un artista que pinta a lo grande, y cuando decimos a lo grande es big extra size. Pinta sombras y siluetas en entornos urbanos. Crítico y reflexivo, trabaja la alegoría y juega con las dimensiones proponiendo juegos en la rutina urbana. También utiliza otras fórmulas de expresión urbana como las esculturas efímeras de cartón u otro tipo de instalaciones.
Unos dicen que nacido en Elche, otros en Caravaca, hemos leído que SAM3 vive y trabaja en Madrid, España, que su nombre es Samuel Marin. Es más fácil saber de su trabajo que de su persona, sus murales callejeros no pasan inadvertidos y se encuentran en diversos lugares de la geografía del planeta. Se pueden localizar geográficamente en AGENCY OF URBAN SUBCONSCIOUS en el desplegable del footer.

Una de las ilustraciones que más nos gustan de S A M 3 es esta estampa realizada durante el FAME festival 09 y que en otra versión está en una pared de Valencia.

Also we add Wall painting time-lapse by Sam3 in Lisboa during CRONO. Photos by Alexander SIlva, edited by Sam3

Aunque uno de los trabajos q más nos llamó la atención es este. Se trata de una imagen “abrupta o socialmente difícil” que no puede ser vista en la totalidad por el viadante que transita por la calle, es necesaria una perspectiva específica ubicada en un ventanuco de la calle para contemplar la obra. Realizada en el Fame festival 2011

Fame festival 2011

Making of

+ info obra el artista en S A M 3

Workflow ilustración

Flujo de trabajo de una ilustración desde el esquema analógico a la digitalización y procesado en photoshop.
Vídeo de linea del tiempo que muestra el proceso de creación de una ilustración para portada de la revista Comic Book Xabiroi. Más información sobre el autor: deisign

El resultado final es este

Vía: donostikultura.com

Convocatoria internacional de Videos de remezcla política

Hasta el próximo 25 de diciembre de 2011, EMBED Audiovisuales integrados, en colaboración con el programa Doc Next Network de la European Cultural Foundation lanzan una convocatoria internacional de vídeos de remezcla política. Los vídeos formarán parte de los eventos EMBED y algunos de ellos pasarán a la mediateca de la Doc Next Network.

Estan buscando narraciones audiovisuales que en el uso de las imágenes traten de «dar qué pensar». Comparten expresamente la definición y la guía editorial de www.politicalremixvideo.com que en traducción libre viene a ser:

«Political Remix Video» es un género audiovisual que utiliza la transformación DIY de los medios en donde los artistas critican las estructuras de poder, deconstruyen mitos sociales y desafían a los medios dominantes con técnicas de re-cutting and re-framing de fragmentos de los grandes medios y de la cultura popular.

Estos trabajos de remezcla tienen sus raíces en la tradición del détournement donde los artistas modificaban y subvertían los mass media, proponiendo nuevos mensajes y narrativas. Aunque los «Political Remix Videos» varían ampliamente en forma, temas y mensajes, comparten aspectos similares con la técnica situacionista.

  1. Primero, “Political Remix Videos» presentan mensajes políticos. La palabra «política» en este contexto se refiere a trabajos que son críticos no sólo con las instituciones y los gobiernos sino también en aspectos sociales y culturales como género, raza, sexualidad o medio ambiente.”
  2. Segundo, “Political Remix Videos» son trabajos de guerrilla que se apropian de material con propiedad intelectual sin permiso de sus titulares. Además, estas remezclas suelen ser bastantes críticas con sus fuentes así que pueden vulnerar o provocar reclamaciones de la DMCA (Ley de Propiedad Intelectual en Estados Unidos).”

Bases de participación (español): embed.at/article56.html

Inconmensurable Valcárcel Medina

Valcárcel Medina. Interesante sujeto de panorámica cabeza, conceptual y creativo. Integridad, equilibrio entre compromiso filosófico y creativo, accesible, talludito y de una gran responsabilidad social ciudadana. Es una experiencia vital…
Este tipo es de los artistas contemporáneos q más nos gustan. Entre sus obras se encuentran escenificaciones urbanas interactivas conceptuales y performances, todo ello, antes de q se acuñaran estos términos en el glosario curatorial. Él huye la obra objetual y su trabajo tiene una componente metafórico-filosófica q aturde la razón dogmática y abre expectativas de pensamiento.

[…Valcárcel, en efecto, nunca ha sido un artista cómodo. En 1996, el Reina Sofía, dirigido entonces por José Guirao, lo invitó a presentar un proyecto. Él, de nuevo, aceptó. Y de nuevo con una condición: para ejecutar su obra necesitaba los presupuestos reales -montajes, catálogos, transportes, seguros- de las últimas muestras realizadas en el museo madrileño. El Reina se negó a facilitarle esa información, que él consideraba de dominio público. Así empezó una particular performance que llevó al artista hasta el Defensor del Pueblo -que le dio la razón- después de reclamar ante el Ministerio de Cultura y el Congreso de los Diputados. Ni qué decir tiene que la exposición, que hubiera colocado a Valcárcel Medina en el candelero, nunca se llevó a cabo. Para él, la obra resultante es la kafkiana correspondencia que mantuvo con todas las instancias interpeladas. No era la primera vez que el artista chocaba con una institución. Cuando una fundación, cuyo nombre no quiere revelar, le propuso exponer, él presentó un presupuesto que fue rechazado: seis euros. “Me dijeron que creaba un mal precedente no por ser caro, sino por ser barato”[…]Valcárcel Medina no ha vendido jamás una obra…] El País.

Entre sus obras:

-“Conversaciones telefónicas“: llamaba a desconocidos para darles su propio número de teléfono. Es un ejemplo de arte de participación, según el artista.

-Relojes (1973): fotografías que describen ritmos, movimientos y espacios de la ciudad.

-El diccionario de la gente (São Paulo, 1976): pedía a los habitantes de São Paulo una palabra, con la que construyó un diccionario.

-136 manzanas de Asunción (Asunción, 1976): les pedía a la gente si querían acompañar al artista a dar una vuelta a la manzana, hablando con él.

-Obras de “Arquitectura prematura”, se trata de “proyectos que se limitan a poner a las claras la evidencia, necesitarían, para ser viables, otra época y otra mentalidad, es decir, son prematuros”.
Entre estas arquitecturas se encuentra la Torre Suicida. Valcárcel sostiene que la configuración urbana debe contar con una aproximación veraz a las necesidades humanas, y entre ellas, el derecho al suicidio es una. De tal forma, proyecta un edificio para el acto del suicidio con instalaciones de servicios al uso, cementerio, salas de despedida, etc.

-I.V.M. Oficina de gestión (Madrid, 1994): es una referencia al “arte judicial”
La oficina de gestión era una oficina en la q se atendían los conflictos q cualquiera pudiese plantear, para proporcionar una solución posible por utópica q pareciese. Un libro al q tuve acceso documenta las intervenciones. Recuerdo una en q un señor planteaba un problema de co-habitación con otro: la IVM le proporcionó una propuesta-solución razonada q incorporaba los plaros reales y ejecutables para la partición de la vivienda.

-El libro de Bibliofilia que podría ser una partitura de formas y palabras: Topología hermenéutica, o bien hermenéutica topológica

-Exposición en el Museo de arte contemporáneo de Barcelona (MACBA, 2006), participó pintando durante nueve días un muro blanco de blanco con un píncel del número 8, normalmente usado en acuarelas.

Entre las numerosas anécdotas q salpimentan su existencia creativa recuerdo dos. Una vez fué invitado a una muestra colectiva en Alicante, y como quiso, durante el camino desde Madrid, iba solicitando a pasajeros y viandantes q le proporcionasen un objeto o idea para la exposición a la q acudía y así dispuso su obra. Otra, fué q soicitaron su presencia en una colectiva de (no recuerdo bien) Caja Madrid o La Caixa, el requirió q la obra fuese efimera y no coleccionable, q tras la exposición fuese destruida pintando el muro sobre el q iba a hacer una imprimación, la entidad no aceptó las condiciones y él no expuso.

Vídeo grabado en las VIII Jornadas de Arte. Mayo del 68: la última vanguardia. Noviembre de 2008 en la Universidad de Córdoba. Info vídeo vía: Efervescente2H

Otra entrevista a Valcárcel Medina: http://www.uclm.es/cdce/sin/sin1/valcar1.htm

Redactó la Ley reguladora del ejercicio, disfrute y comercialización del arte.(Ley del Arte), nunca promulgada legalmente, aunque sí solicitó su trámite parlamentario.
Extractamos aquí el capítulo primero, q como toda la propuesta ley, no tiene desperdicio. Aquí el texto integro de la Ley

TITULO I

Del arte y los Artistas

CAPITULO I

Definiciones

Artículo 3

A los efectos de la aplicación de la presente Ley, se entiende que:

a) El Arte es un acto personal de naturaleza expresiva.

b) El Arte, forzosamente, ha de significar un comportamiento creativo por parte de su ejerciente.

Artículo 4

1. Todo ciudadano español, en cuanto tal, tendrá derecho a ser artista. Para ser reconocido en ese ejercicio, bastará que solicite de la CATA un permiso que se le concederá sin más requisito (al poseedor del permiso se le llamará en el articulado: Artista).

2. Los ciudadanos en posesión del anterior permiso podrán, a su elección, solicitar un carnet profesional, que les será concedido, igualmente, sin más requisito (al poseedor del carnet se le llamará en el articulado: Artista Profesionalizado).

3. Dado el carácter exclusivamente personal de la actividad artística considerada en los párrafos anteriores, se admite en todos los sentidos el ejercicio del Arte por parte de cualquier ciudadano, aunque no haya entrado en posesión del permiso, sin que por este simple motivo puedan sus actos u obras ser considerados de forma diferente.

Artículo 5

1. A los efectos de la aplicación de esta Ley, se entenderá por Obra de Arte todo acto consciente y responsable, así como su resultado, si lo hubiere.

2. Cuando se produzca la coincidencia y confluencia de los dos supuestos considerados en el párrafo anterior, y hubiere de hacerse una distinción sobre la categoría de ambos, la Obra de Arte estaría constituida, en primer lugar, por el acto creativo.

3. En concordancia con lo expuesto, se considerará que el acto tiene entidad creativa por sí mismo, mientras que su resultado, no.

4. Aunque lo definido en el párrafo 1 del presente artículo es la base que han de tener las llamadas Obras de Arte, podrán éstas estar dotadas, de forma intencional o casual, de elementos añadidos, tales como belleza, emoción, dominio técnico y otros.

5. Las obras que, dotadas de los elementos citados en el párrafo 4, carezcan, sin embargo, de las cualidades citadas en párrafo 1, no serán consideradas en ningún caso como Obras de Arte, y el hacerlas pasar como tales será considerado fraudulento.

Artículo 6

Partiendo de la asimilación habitual en la actualidad del término “artista” como el equivalente a lo que en esta Ley se denomina Artista Profesionalizado, quedan abolidos los conceptos siguientes, así como el uso que se les pretendiera dar en defensa de cualquier argumentación:

a) Arte es lo que hacen los artistas. Y

b) El artista designa sus obras de arte.

Artículo 7

Quedan abolidas, a partir de la entrada en vigor de esta Ley:

a) cuantas clasificaciones o limitaciones se consideraran establecidas en lo tocante a la catalogación material de las artes.

b) cuantas catalogaciones se consideraran establecidas en cuanto a las categorías del arte, tales como arte culto, arte popular, arte de vanguardia, arte tradicional y otras semejantes, y

c) cuantas catalogaciones, equivalentes a las expuestas en el apartado anterior, se consideraran establecidas en cuanto a la categoría de los autores de las Obras de Arte.

Artículo 8

1. El autor deberá actuar en todo caso con intencionalidad, estado de plena consciencia y responsabilidad en la ideación, planteamiento, desarrollo y ejecución.

2. En el párrafo anterior, los elementos ajenos a la actitud del autor se citan como integrantes de la realización, pero no se impone ni su imprescindibilidad ni su coincidencia.

3. De los párrafos anteriores se deduce que los requisitos personales internos constituyen la exclusividad de la Obra de Arte, siendo los externos de carácter secundario o anecdótico.

4. Cuando, a pesar de lo expuesto en el párrafo anterior, sea preciso considerar el requisito externo, habrá de hacerse siempre en función del interno. No se excluye ni se impide, sin embargo, la consideración de los requisitos externos, e incluso su valoración y disfrute como elementos integrantes del Arte; pudiendo llegar a ser considerado su disfrute como realidad artística generada por el requisito externo.

Un punto de inflexión en la fotografía.

El constante desarrollo tecnológico trae esta vez una innovación que revolucionará la captura fotográfica. Son las cámaras de área ó campos de luz.
La primera ha sido la denominada Lytro. Viene a ser una reformulación del slogan kodak “Usted pulsa el botón y nosotros hacemos el resto” que ahora vendría a ser “tu dispara que todo lo arregla el soft (las microlentes en este caso)”. El concepto de aquella filosofía era el de la naturaleza no cualificada del fotógrafo, una estrategia de marketing orientada al producto que no requiere esfuerzos ni conocimientos, dirigido al gran público, para obtener grandes cifras de venta mor de una amplia cuota de mercado. Ahora tenemos un avance tecnológico que nos aproxima a la posibilidad de la captura cuasi-lomografía, podemos disparar sin demasiado criterio de zonas de enfoque, luego puedes reprocesar y decidir. Pienso que los lomógrafos -los no estrictamente devotos de la química y sí de la filosofía de la imprevisión- podrían encontrar una rama de esta “disciplina” con estos dispositivos.


Cámara de áreas de luz “Lytro”

De una estética absurda para una cámara, responde según sus fabricantes a una imagen icónica 3.0. La cámara en sí es un prisma de forma cuadrada, alrededor de 11 cm (4,4 “) de largo y alrededor de 4 cm (1,6”) cuadrados. Alrededor de dos tercios de su longitud de aluminio anodizado está desnudo, alberga una lente equivalente 35-280 mm de apertura diafragma F2 constante. El resto de su longitud está recubierto de una goma blanda, de color gris claro, en que la cámara incorpora tres controles físicos: el interruptor de encendido, un botón de disparo y un control deslizante de zoom que mueve las lentes de entrada y salida. Dispone de interacción que se realiza a través de la pequeña pantalla táctil 128×128 píxeles que se aloja en la cara posterior del dispositivo.

Pero lo más interesante de esta cámara es la concepción de la captura y toma de la luz. Ya no se hablará de pixeles sino de haces de luz, y esto porque en lugar de dirigir la luz hacia el sensor directamente como lo haría una cámara convencional, la luz incide sobre una gran variedad de microlentes dispuestos en una matriz a una distancia corta en la parte frontal del sensor. Estas microlentes están diseñados para dividir la información a través de múltiples píxeles, dependiendo del ángulo desde donde ha llegado. Las microlentes separan los rayos de luz antes de llegar al sensor. La cámara registra datos de luminosidad, ángulos de incidencia y posición del sensor, de manera que se conserva toda la información de dirección de los haces de luz que han generado las microlentes. Desde esta información, con posterioridad a la captura podemos determinar si el sensor está más cerca o más arriba respecto del objeto o sujeto fotografiado y si efectivamente lo está enfocando, y podremos volver a calcular los haces de los rayos de luz dónde queramos que sean proyectados para determinar un enfoque u otro.

En la web corporativa se puede comprobar el resultado técnico, la interfaz y realizar el enfoque en una galeria de fotos

Esta tecnología no sólo permite volver a calcular imágenes con puntos de enfoque diferentes, además, la lente de la cámara no tiene que ser enfocada en un solo punto, capturamos la imagen al azar y luego hacemos el enfoque. La gran ventaja es disponer de una cámara de apuntar y disparar. No hay motores en movimiento como en los objetivos, esto permite el disparo instantáneo sin dilación.


Corte transversal y funcionamiento de la cámara de áreas de luz “Lytro”

Sarah Small. Tableau Vivant (Cuadro viviente)

Sarah small y su equipo trabajan para completar la película documental “Tableau Vivant” de Construcciones Delirium, y al mismo tiempo, también en la preparación de una gira internacional de actuación en directos.
Construcciones Delirium afronta una exploración en el proceso evolutivo de la creatividad con la comunidad que participa en este proceso, nos deja contemplar las verdades crudas y conmovedoras sobre el anhelo eterno de la humanidad para encontrar la conexión dentro de nosotros mismos y con los demás. Los ingredientes escénicos son: recreación visual de la imagen fotográfica estática, evocación de estilo clásico, música búlgara a capella y ópera, todo con una impactante personalidad visual.

El audiovisual integra la performance en la antigua Caja de Ahorros de Williamsburg, en Hanson Place, New York y ahora conocida como la “Claraboya Un Hanson”. En este acto Sara Small explora con el tableau vivant un fenómeno social específico: el ritual del matrimonio.
Las ceremonias de boda representan, con sus aires de boato y rectitud religiosa, la más íntima unión de dos individuos en la esfera más pública, este es el argumento (la celebración) para su exploración y análisis en el marco del proyecto. En las noches del 23 y 24 de mayo de 2011, Sara Small actuó como oficiante legal de tres parejas (dos bodas y una ceremonia de renovación de votos) en el mismo espacio y mientras dirigía el reparto de Tableau Vivant en sus propias evoluciones sobre el tema en un espectáculo, mezclando el arte del performance con la realidad en un cóctel irresistible.
Integran esta puesta en escena la banda de cámara-pop “Edison Woods”, el conjunto de cámara “YMusic”, las “Black Sea Hotel” (grupo a capella del Mar Negro) y, por supuesto Shara Worden que es la que canta el aria.
La película “Tableau Vivant” (Cuadro viviente) de Construcciones Delirium es impulsada además por las interacciones personales con 120 modelos de reparto y el equipo creativo. Tableau Vivant fue ideado originalmente como una forma de promover las fotos de Sarah Small. Ella es una artista estadounidense, fotógrafa, cantante y directora de cine que recrea las interrelaciones humanas construyendo escenarios teatrales para provocar las emociones del espectador.
Después del lanzamiento de la película, Sarah Small y sus colaboradores harán una gira a nivel mundial representando la performance y llegando a 13 ciudades importantes, entre ellas Bruselas, Tel Aviv, Berlín, París y Sydney hasta 2013. Así pués, mientras el documento cinematográfico circula, el proceso evolutivo de construcción de esta obra también continúa, Saran Small quiere examinar cuestiones específicas de la cultura, los rituales del matrimonio, todo ello en paralelo con sus estudios en curso de la búsqueda de la intimidad y la inter-conexión por todo el mundo. Ella pretende oficiar 13 matrimonios legales en el curso de su viaje internacional: continuará uniendo la realidad con la performance.
En este workflow el público tiene y tendrá acceso íntimo a la experiencia única de aislamiento y comunitaria de los miembros de esta familia de artistas en todo el proceso de casting, ensayos y realización del proyecto Tableau Vivant en vivo. Varios de los participantes, incluida Small, insertan sus historias de vida, dando peso y claridad a las imágenes creadas en “Tableau Vivant“.
Para nosotros este ecléctico trabajo presenta la esencia de la humanidad en su diversidad y humildad, es una exploración narrativa que edita una sinfonía visual y sonora. La musica está compuesta por Sarah small y Rima Fand. La puesta en escena reune aspectos clásicos y performer, este último arraigado en la escuela escénica de los cuadros vivientes, comunicando un universo alternativo. En parte es un homenaje a la historia del arte -la celebración gozosa- y experimenta un extremo radical, conviven cuadros pequeños de la humanidad a través de la reunión de una variada colección de emociones, gestos, expresiones faciales y movimiento, lo que representa una enciclopedia visual de la condición humana.
Anecdóticamente comentaremos que esta forma teatral de los cuadros vivientes nace con Madame de Genlis -considerada reaccionaria 1 por abogar por un espíritu de virtud y religión en su obra literaria- cuando comenzó (según ella misma, fué la pionera) la escuela del llamado théâtre d’éducation 2, método empleado por ella para la instrucción de los infantes del Duque de Orleans.

1-Mitos y modelos femeninos en la literatura francesa del siglo XVIII. Tesis doctoral de Ma DEL CARMEN MARRERO MARRERO. Intro-pag.5
2-Obra teatral estudiada por Plagnol-Diéval, Marie-Emmanuelle: Madame de Genlis et le théâtre d’éducation au XVIII siècle, Oxford, Voltaire Foundation, 1997

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