Convocatoria internacional de Videos de remezcla política

Hasta el próximo 25 de diciembre de 2011, EMBED Audiovisuales integrados, en colaboración con el programa Doc Next Network de la European Cultural Foundation lanzan una convocatoria internacional de vídeos de remezcla política. Los vídeos formarán parte de los eventos EMBED y algunos de ellos pasarán a la mediateca de la Doc Next Network.

Estan buscando narraciones audiovisuales que en el uso de las imágenes traten de «dar qué pensar». Comparten expresamente la definición y la guía editorial de www.politicalremixvideo.com que en traducción libre viene a ser:

«Political Remix Video» es un género audiovisual que utiliza la transformación DIY de los medios en donde los artistas critican las estructuras de poder, deconstruyen mitos sociales y desafían a los medios dominantes con técnicas de re-cutting and re-framing de fragmentos de los grandes medios y de la cultura popular.

Estos trabajos de remezcla tienen sus raíces en la tradición del détournement donde los artistas modificaban y subvertían los mass media, proponiendo nuevos mensajes y narrativas. Aunque los «Political Remix Videos» varían ampliamente en forma, temas y mensajes, comparten aspectos similares con la técnica situacionista.

  1. Primero, “Political Remix Videos» presentan mensajes políticos. La palabra «política» en este contexto se refiere a trabajos que son críticos no sólo con las instituciones y los gobiernos sino también en aspectos sociales y culturales como género, raza, sexualidad o medio ambiente.”
  2. Segundo, “Political Remix Videos» son trabajos de guerrilla que se apropian de material con propiedad intelectual sin permiso de sus titulares. Además, estas remezclas suelen ser bastantes críticas con sus fuentes así que pueden vulnerar o provocar reclamaciones de la DMCA (Ley de Propiedad Intelectual en Estados Unidos).”

Bases de participación (español): embed.at/article56.html

Posibilidades del Open Video y HTML5 Taller Diciembre 2011

El equipo de ZEMOS98, desde ayer reune a especialistas en narrativa digital y herramientas abiertas constituidos durante 6 días en formato taller de producción titulado “posibilidades del Open Video y el HTML5”.

El objetivo del proyecto es poder desarrollar una herramienta libre que permita la mezcla y remezcla de vídeo, audio, fotos y enlaces, en la web mediante el Open Vídeo y el nuevo estándar HTML5. Posibilidades del Open Video y el HTML5 es un taller a iniciativa de ZEMOS98, apoyado por la convocatoria Sueño Digital del CICUS LAb de la Universidad de Sevilla y con el apoyo de la European Cultural Foundation (ECF) para la red Doc Next Network.

Participan y promueven:

El colectivo ZEMOS98 (es un grupo de creación y producción cultural, de ámbito internacional, que desarrolla su actividad en Sevilla desde el año 1995. Está compuesto por un equipo de comunicólogos y tecnólogos de la imagen y el sonido que habitan la red Internet como un espacio más de comunicación, aprendizaje y creación. Organizan el Festival Internacional ZEMOS98 el cual ha celebrado su 13 edición en Sevilla).

A Navalla Suíza, S.L. es un equipo formado en 2008 en Santiago de Compostela por 5 personas procedentes del diseño, la programación, la arquitectura web y la comunicación audiovisual, para desarrollar proyectos innovadores de comunicación web. Estamos especializados en el vídeo online, las narrativas digitales y los proyectos orientados a la creación de comunidades y la participación social.

Mediante una convocatoria de colaboradores el taller esta destinado a creadores audiovisuales, diseñadores, programadores, docentes e interesados en las posibilidades del vídeo en la red.
Duración y calendario Del 12 al 14 de diciembre de 2011. Horario: de 10.00 a14.00
El plazo de inscripción era del 28/11/2011 al 09/12/2011 y se público el día 6 de diciembre 🙁 en un post de Zemos
Total: 12 horas
LUGAR: Centro de Iniciativas Culturales (CICUS)
PRECIO: 10.00 € Estudiantes/PDI/PAS Universidad de Sevilla: 5.00 €
+ info

Inconmensurable Valcárcel Medina

Valcárcel Medina. Interesante sujeto de panorámica cabeza, conceptual y creativo. Integridad, equilibrio entre compromiso filosófico y creativo, accesible, talludito y de una gran responsabilidad social ciudadana. Es una experiencia vital…
Este tipo es de los artistas contemporáneos q más nos gustan. Entre sus obras se encuentran escenificaciones urbanas interactivas conceptuales y performances, todo ello, antes de q se acuñaran estos términos en el glosario curatorial. Él huye la obra objetual y su trabajo tiene una componente metafórico-filosófica q aturde la razón dogmática y abre expectativas de pensamiento.

[…Valcárcel, en efecto, nunca ha sido un artista cómodo. En 1996, el Reina Sofía, dirigido entonces por José Guirao, lo invitó a presentar un proyecto. Él, de nuevo, aceptó. Y de nuevo con una condición: para ejecutar su obra necesitaba los presupuestos reales -montajes, catálogos, transportes, seguros- de las últimas muestras realizadas en el museo madrileño. El Reina se negó a facilitarle esa información, que él consideraba de dominio público. Así empezó una particular performance que llevó al artista hasta el Defensor del Pueblo -que le dio la razón- después de reclamar ante el Ministerio de Cultura y el Congreso de los Diputados. Ni qué decir tiene que la exposición, que hubiera colocado a Valcárcel Medina en el candelero, nunca se llevó a cabo. Para él, la obra resultante es la kafkiana correspondencia que mantuvo con todas las instancias interpeladas. No era la primera vez que el artista chocaba con una institución. Cuando una fundación, cuyo nombre no quiere revelar, le propuso exponer, él presentó un presupuesto que fue rechazado: seis euros. “Me dijeron que creaba un mal precedente no por ser caro, sino por ser barato”[…]Valcárcel Medina no ha vendido jamás una obra…] El País.

Entre sus obras:

-“Conversaciones telefónicas“: llamaba a desconocidos para darles su propio número de teléfono. Es un ejemplo de arte de participación, según el artista.

-Relojes (1973): fotografías que describen ritmos, movimientos y espacios de la ciudad.

-El diccionario de la gente (São Paulo, 1976): pedía a los habitantes de São Paulo una palabra, con la que construyó un diccionario.

-136 manzanas de Asunción (Asunción, 1976): les pedía a la gente si querían acompañar al artista a dar una vuelta a la manzana, hablando con él.

-Obras de “Arquitectura prematura”, se trata de “proyectos que se limitan a poner a las claras la evidencia, necesitarían, para ser viables, otra época y otra mentalidad, es decir, son prematuros”.
Entre estas arquitecturas se encuentra la Torre Suicida. Valcárcel sostiene que la configuración urbana debe contar con una aproximación veraz a las necesidades humanas, y entre ellas, el derecho al suicidio es una. De tal forma, proyecta un edificio para el acto del suicidio con instalaciones de servicios al uso, cementerio, salas de despedida, etc.

-I.V.M. Oficina de gestión (Madrid, 1994): es una referencia al “arte judicial”
La oficina de gestión era una oficina en la q se atendían los conflictos q cualquiera pudiese plantear, para proporcionar una solución posible por utópica q pareciese. Un libro al q tuve acceso documenta las intervenciones. Recuerdo una en q un señor planteaba un problema de co-habitación con otro: la IVM le proporcionó una propuesta-solución razonada q incorporaba los plaros reales y ejecutables para la partición de la vivienda.

-El libro de Bibliofilia que podría ser una partitura de formas y palabras: Topología hermenéutica, o bien hermenéutica topológica

-Exposición en el Museo de arte contemporáneo de Barcelona (MACBA, 2006), participó pintando durante nueve días un muro blanco de blanco con un píncel del número 8, normalmente usado en acuarelas.

Entre las numerosas anécdotas q salpimentan su existencia creativa recuerdo dos. Una vez fué invitado a una muestra colectiva en Alicante, y como quiso, durante el camino desde Madrid, iba solicitando a pasajeros y viandantes q le proporcionasen un objeto o idea para la exposición a la q acudía y así dispuso su obra. Otra, fué q soicitaron su presencia en una colectiva de (no recuerdo bien) Caja Madrid o La Caixa, el requirió q la obra fuese efimera y no coleccionable, q tras la exposición fuese destruida pintando el muro sobre el q iba a hacer una imprimación, la entidad no aceptó las condiciones y él no expuso.

Vídeo grabado en las VIII Jornadas de Arte. Mayo del 68: la última vanguardia. Noviembre de 2008 en la Universidad de Córdoba. Info vídeo vía: Efervescente2H

Otra entrevista a Valcárcel Medina: http://www.uclm.es/cdce/sin/sin1/valcar1.htm

Redactó la Ley reguladora del ejercicio, disfrute y comercialización del arte.(Ley del Arte), nunca promulgada legalmente, aunque sí solicitó su trámite parlamentario.
Extractamos aquí el capítulo primero, q como toda la propuesta ley, no tiene desperdicio. Aquí el texto integro de la Ley

TITULO I

Del arte y los Artistas

CAPITULO I

Definiciones

Artículo 3

A los efectos de la aplicación de la presente Ley, se entiende que:

a) El Arte es un acto personal de naturaleza expresiva.

b) El Arte, forzosamente, ha de significar un comportamiento creativo por parte de su ejerciente.

Artículo 4

1. Todo ciudadano español, en cuanto tal, tendrá derecho a ser artista. Para ser reconocido en ese ejercicio, bastará que solicite de la CATA un permiso que se le concederá sin más requisito (al poseedor del permiso se le llamará en el articulado: Artista).

2. Los ciudadanos en posesión del anterior permiso podrán, a su elección, solicitar un carnet profesional, que les será concedido, igualmente, sin más requisito (al poseedor del carnet se le llamará en el articulado: Artista Profesionalizado).

3. Dado el carácter exclusivamente personal de la actividad artística considerada en los párrafos anteriores, se admite en todos los sentidos el ejercicio del Arte por parte de cualquier ciudadano, aunque no haya entrado en posesión del permiso, sin que por este simple motivo puedan sus actos u obras ser considerados de forma diferente.

Artículo 5

1. A los efectos de la aplicación de esta Ley, se entenderá por Obra de Arte todo acto consciente y responsable, así como su resultado, si lo hubiere.

2. Cuando se produzca la coincidencia y confluencia de los dos supuestos considerados en el párrafo anterior, y hubiere de hacerse una distinción sobre la categoría de ambos, la Obra de Arte estaría constituida, en primer lugar, por el acto creativo.

3. En concordancia con lo expuesto, se considerará que el acto tiene entidad creativa por sí mismo, mientras que su resultado, no.

4. Aunque lo definido en el párrafo 1 del presente artículo es la base que han de tener las llamadas Obras de Arte, podrán éstas estar dotadas, de forma intencional o casual, de elementos añadidos, tales como belleza, emoción, dominio técnico y otros.

5. Las obras que, dotadas de los elementos citados en el párrafo 4, carezcan, sin embargo, de las cualidades citadas en párrafo 1, no serán consideradas en ningún caso como Obras de Arte, y el hacerlas pasar como tales será considerado fraudulento.

Artículo 6

Partiendo de la asimilación habitual en la actualidad del término “artista” como el equivalente a lo que en esta Ley se denomina Artista Profesionalizado, quedan abolidos los conceptos siguientes, así como el uso que se les pretendiera dar en defensa de cualquier argumentación:

a) Arte es lo que hacen los artistas. Y

b) El artista designa sus obras de arte.

Artículo 7

Quedan abolidas, a partir de la entrada en vigor de esta Ley:

a) cuantas clasificaciones o limitaciones se consideraran establecidas en lo tocante a la catalogación material de las artes.

b) cuantas catalogaciones se consideraran establecidas en cuanto a las categorías del arte, tales como arte culto, arte popular, arte de vanguardia, arte tradicional y otras semejantes, y

c) cuantas catalogaciones, equivalentes a las expuestas en el apartado anterior, se consideraran establecidas en cuanto a la categoría de los autores de las Obras de Arte.

Artículo 8

1. El autor deberá actuar en todo caso con intencionalidad, estado de plena consciencia y responsabilidad en la ideación, planteamiento, desarrollo y ejecución.

2. En el párrafo anterior, los elementos ajenos a la actitud del autor se citan como integrantes de la realización, pero no se impone ni su imprescindibilidad ni su coincidencia.

3. De los párrafos anteriores se deduce que los requisitos personales internos constituyen la exclusividad de la Obra de Arte, siendo los externos de carácter secundario o anecdótico.

4. Cuando, a pesar de lo expuesto en el párrafo anterior, sea preciso considerar el requisito externo, habrá de hacerse siempre en función del interno. No se excluye ni se impide, sin embargo, la consideración de los requisitos externos, e incluso su valoración y disfrute como elementos integrantes del Arte; pudiendo llegar a ser considerado su disfrute como realidad artística generada por el requisito externo.

Un punto de inflexión en la fotografía.

El constante desarrollo tecnológico trae esta vez una innovación que revolucionará la captura fotográfica. Son las cámaras de área ó campos de luz.
La primera ha sido la denominada Lytro. Viene a ser una reformulación del slogan kodak “Usted pulsa el botón y nosotros hacemos el resto” que ahora vendría a ser “tu dispara que todo lo arregla el soft (las microlentes en este caso)”. El concepto de aquella filosofía era el de la naturaleza no cualificada del fotógrafo, una estrategia de marketing orientada al producto que no requiere esfuerzos ni conocimientos, dirigido al gran público, para obtener grandes cifras de venta mor de una amplia cuota de mercado. Ahora tenemos un avance tecnológico que nos aproxima a la posibilidad de la captura cuasi-lomografía, podemos disparar sin demasiado criterio de zonas de enfoque, luego puedes reprocesar y decidir. Pienso que los lomógrafos -los no estrictamente devotos de la química y sí de la filosofía de la imprevisión- podrían encontrar una rama de esta “disciplina” con estos dispositivos.


Cámara de áreas de luz “Lytro”

De una estética absurda para una cámara, responde según sus fabricantes a una imagen icónica 3.0. La cámara en sí es un prisma de forma cuadrada, alrededor de 11 cm (4,4 “) de largo y alrededor de 4 cm (1,6”) cuadrados. Alrededor de dos tercios de su longitud de aluminio anodizado está desnudo, alberga una lente equivalente 35-280 mm de apertura diafragma F2 constante. El resto de su longitud está recubierto de una goma blanda, de color gris claro, en que la cámara incorpora tres controles físicos: el interruptor de encendido, un botón de disparo y un control deslizante de zoom que mueve las lentes de entrada y salida. Dispone de interacción que se realiza a través de la pequeña pantalla táctil 128×128 píxeles que se aloja en la cara posterior del dispositivo.

Pero lo más interesante de esta cámara es la concepción de la captura y toma de la luz. Ya no se hablará de pixeles sino de haces de luz, y esto porque en lugar de dirigir la luz hacia el sensor directamente como lo haría una cámara convencional, la luz incide sobre una gran variedad de microlentes dispuestos en una matriz a una distancia corta en la parte frontal del sensor. Estas microlentes están diseñados para dividir la información a través de múltiples píxeles, dependiendo del ángulo desde donde ha llegado. Las microlentes separan los rayos de luz antes de llegar al sensor. La cámara registra datos de luminosidad, ángulos de incidencia y posición del sensor, de manera que se conserva toda la información de dirección de los haces de luz que han generado las microlentes. Desde esta información, con posterioridad a la captura podemos determinar si el sensor está más cerca o más arriba respecto del objeto o sujeto fotografiado y si efectivamente lo está enfocando, y podremos volver a calcular los haces de los rayos de luz dónde queramos que sean proyectados para determinar un enfoque u otro.

En la web corporativa se puede comprobar el resultado técnico, la interfaz y realizar el enfoque en una galeria de fotos

Esta tecnología no sólo permite volver a calcular imágenes con puntos de enfoque diferentes, además, la lente de la cámara no tiene que ser enfocada en un solo punto, capturamos la imagen al azar y luego hacemos el enfoque. La gran ventaja es disponer de una cámara de apuntar y disparar. No hay motores en movimiento como en los objetivos, esto permite el disparo instantáneo sin dilación.


Corte transversal y funcionamiento de la cámara de áreas de luz “Lytro”

Sarah Small. Tableau Vivant (Cuadro viviente)

Sarah small y su equipo trabajan para completar la película documental “Tableau Vivant” de Construcciones Delirium, y al mismo tiempo, también en la preparación de una gira internacional de actuación en directos.
Construcciones Delirium afronta una exploración en el proceso evolutivo de la creatividad con la comunidad que participa en este proceso, nos deja contemplar las verdades crudas y conmovedoras sobre el anhelo eterno de la humanidad para encontrar la conexión dentro de nosotros mismos y con los demás. Los ingredientes escénicos son: recreación visual de la imagen fotográfica estática, evocación de estilo clásico, música búlgara a capella y ópera, todo con una impactante personalidad visual.

El audiovisual integra la performance en la antigua Caja de Ahorros de Williamsburg, en Hanson Place, New York y ahora conocida como la “Claraboya Un Hanson”. En este acto Sara Small explora con el tableau vivant un fenómeno social específico: el ritual del matrimonio.
Las ceremonias de boda representan, con sus aires de boato y rectitud religiosa, la más íntima unión de dos individuos en la esfera más pública, este es el argumento (la celebración) para su exploración y análisis en el marco del proyecto. En las noches del 23 y 24 de mayo de 2011, Sara Small actuó como oficiante legal de tres parejas (dos bodas y una ceremonia de renovación de votos) en el mismo espacio y mientras dirigía el reparto de Tableau Vivant en sus propias evoluciones sobre el tema en un espectáculo, mezclando el arte del performance con la realidad en un cóctel irresistible.
Integran esta puesta en escena la banda de cámara-pop “Edison Woods”, el conjunto de cámara “YMusic”, las “Black Sea Hotel” (grupo a capella del Mar Negro) y, por supuesto Shara Worden que es la que canta el aria.
La película “Tableau Vivant” (Cuadro viviente) de Construcciones Delirium es impulsada además por las interacciones personales con 120 modelos de reparto y el equipo creativo. Tableau Vivant fue ideado originalmente como una forma de promover las fotos de Sarah Small. Ella es una artista estadounidense, fotógrafa, cantante y directora de cine que recrea las interrelaciones humanas construyendo escenarios teatrales para provocar las emociones del espectador.
Después del lanzamiento de la película, Sarah Small y sus colaboradores harán una gira a nivel mundial representando la performance y llegando a 13 ciudades importantes, entre ellas Bruselas, Tel Aviv, Berlín, París y Sydney hasta 2013. Así pués, mientras el documento cinematográfico circula, el proceso evolutivo de construcción de esta obra también continúa, Saran Small quiere examinar cuestiones específicas de la cultura, los rituales del matrimonio, todo ello en paralelo con sus estudios en curso de la búsqueda de la intimidad y la inter-conexión por todo el mundo. Ella pretende oficiar 13 matrimonios legales en el curso de su viaje internacional: continuará uniendo la realidad con la performance.
En este workflow el público tiene y tendrá acceso íntimo a la experiencia única de aislamiento y comunitaria de los miembros de esta familia de artistas en todo el proceso de casting, ensayos y realización del proyecto Tableau Vivant en vivo. Varios de los participantes, incluida Small, insertan sus historias de vida, dando peso y claridad a las imágenes creadas en “Tableau Vivant“.
Para nosotros este ecléctico trabajo presenta la esencia de la humanidad en su diversidad y humildad, es una exploración narrativa que edita una sinfonía visual y sonora. La musica está compuesta por Sarah small y Rima Fand. La puesta en escena reune aspectos clásicos y performer, este último arraigado en la escuela escénica de los cuadros vivientes, comunicando un universo alternativo. En parte es un homenaje a la historia del arte -la celebración gozosa- y experimenta un extremo radical, conviven cuadros pequeños de la humanidad a través de la reunión de una variada colección de emociones, gestos, expresiones faciales y movimiento, lo que representa una enciclopedia visual de la condición humana.
Anecdóticamente comentaremos que esta forma teatral de los cuadros vivientes nace con Madame de Genlis -considerada reaccionaria 1 por abogar por un espíritu de virtud y religión en su obra literaria- cuando comenzó (según ella misma, fué la pionera) la escuela del llamado théâtre d’éducation 2, método empleado por ella para la instrucción de los infantes del Duque de Orleans.

1-Mitos y modelos femeninos en la literatura francesa del siglo XVIII. Tesis doctoral de Ma DEL CARMEN MARRERO MARRERO. Intro-pag.5
2-Obra teatral estudiada por Plagnol-Diéval, Marie-Emmanuelle: Madame de Genlis et le théâtre d’éducation au XVIII siècle, Oxford, Voltaire Foundation, 1997

El vino divino. Erika Szöke

Ensayo acerca del vino. Un trabajo -talludito por el tiempo- que hemos rescatado del histórico de Erika.

Click sobre la imagen para ampliar full screen y/o pasar las paginas

Doze magazine

Traemos un número de la revista on-line Doze magazine. Dicen que nace con el propósito de ofrecer un espacio a los fotógrafos e ilustradores que inundan internet con sus obras y que comparten con nosotros la inquietud por determinados instantes de la vida cotidiana.

Realizan una buena maquetación y contiene un interesante escaparate de trabajos creativos. Con 6 números a la vista ya conforman un potente espacio comunicativo. La Revista responde a un criterio estético y linea editorial urban 2.0, se trata de una iniciativa del Colectivo Movimente

En este número excelentes trabajos de Asger Carlsen, Biel Capllonch, Erik Mark Sandberg, Jim Kazanjian, kimiko yoshida, Levi Van Veluw, Michel Johansson, Roller Ballen, Xavier Delory y Xhxix

Click sobre la imagen para ampliar full screen y/o pasar las paginas

+ números de DOZE MAGAZINE

Liu Bolin hace “integración urbana” + crítica política

Una muestra de su trabajo más conocido “Escondidos en la ciudad” -que le ha procurado el sobrenombre “The Invisible Man”– estará expuesta en Estocolmo desde el 2 de Julio al 11 septiembre 2011 en el ente Fotografiska (curator Michelle Marie Roy). Él lleva la práctica del body painting o el camuflaje hasta la espectacularidad cromática.

Es en parte fotográfo y performer estático que captura su cuidada escenificación. Lógicamente no hace la captura fotográfica él mismo, pero si determina y controla todos los parámetros mediante sus colaboradores que incluso realizan el making off. Vease youtube

En 2005 se sitúa en la Aldea Suojiacun artistas, un conjunto-residencia de artistas que fué objeto de una demolición programada por las autoridades Chinas. Él junto con otros  más de 100 artistas participaron en una acción creativa organizada por el curador Zhang Zhaohui y conformaron la exposición Demoledor! Demoledor! Demoledor!. Los artistas fueron invitados a hacer uso de los materiales de demolición de las obras para exponer una protesta contra la opresión del gobierno chino porque según el artista “el gobierno decidió impedir que los artistas pudieran vivir y trabajar juntos, a pesar de que el arte contemporáneo estaba en rápida expansión en Beijing en el momento” . La contribución de Liu Bolin fue “Ocultos demolición” y mostró el cuerpo de Liu Bolin, camuflado para mezclarse con los escombros. Fue la primera fotografía de esta sertie que luego fomentó la muestra de que hablamos aquí.

Hay varios interrogantes que nos trasladan a la génesis de esta serie: ¿Por qué Liu Bolin usó el color para crear la ilusión de camuflaje? Las imágenes Liu Bolin son, desde el conflicto con las autoridades chinas, una manera de expresar cómo su libertad artística fue violada en China, es la expresión y necesidad de ser imperceptible para permanecer en una actividad creativa, esta expresión inicialmente se fundamenta en una alegoría.

La foto inicial de la exposición “Hiding in the City” es una obra en la que Liu Bolin aparece en el estadio olímpico llamado “nido de pájaro” (por su estructura de vigas entrecruzadas), es decir, recreando los Juegos Olímpicos de Pekín 2008. El Estadio Olímpico fue construido por el estudio de arquitectura suizo Herzog & de Meuron, con el asesoramiento del artista chino Ai Weiwei en 2008. En abril de 2011 Ai Weiwei fue detenido por sus actividades críticas contra el régimen comunista. En sus fotografías, que se habían tomado varios años antes que de Ai Weiwei fue arrestado, Liu Bolin habría plasmado inconscientemente la tensa relación entre el gobierno y los artistas contemporáneos, el clima político y cultural de Beijing, según el curador Zhang Zhaohui

Liu Bolin (1973 -) nació en la provincia de Shangdong, y recibió su licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Artes de Shandong. Se mudó a Beijing en 1999 y estudió escultura de Sui Jiangou en la Academia Central de Bellas Artes. 2005 él tomó su grado de Maestría en Bellas Artes

Con el tiempo esta línea de trabajo body painting/camuflaje ha dado como resultado una muestra cosmopolita de diversos paisajes urbanos que se puede ver aquí y más extensamente mediante la galería Eli Klein de NY/Beijing ó en ibytes

 

 

MADinSpain 06/2011

MADinSpain es el evento de diseño y creatividad más relevante que se celebra en España. La sexta edición del MAD, reunió en Junio de 2011 a diseñadores, creativos, estudios de diseño, agencias de publicidad interactiva, motion graphics y design thinkers de todo el panorama creativo actual, tanto a nivel nacional como internacional.

Se trata de un encuentro en que contemplar, conocer y compartir cosas realmente impresionantes, tanto de lo que se hace en España, como de lo que se hace por ahí fuera. Creatividad en estado puntero, tecnológicamente hablando y desde la calidad comunicativa. El encuentro es organizado por Domestika: una comunidad de creativos online de habla hispana con más de 30.000 usuarios registrados. En su espacio online es posible acceder a portfolios, bolsa de empleo, foros, tutoriales y artículos de opinión.

La cara B implícita es que se trate de una iniciativa que nace del estímulo independiente, y ello por la ausencia de organismos que promuevan la cultura creativa con carácter social. Esta muestra es un exponente de la decadencia de las estructuras pedagógicas públicas ante los avances tecnológicos y comunicativos, entornos que generan diferentes patrones relacionales y nuevas profesiones. Es una constante observar el carácter autodidacta en muchos de los creativos que se encuentran en la excelencia creativa, y este indicativo, pone de manifiesto nuevamente la deficiencia de procesos formativos académicos como la inoperancia de los agentes institucionales en la detección de las necesidades sociales y profesionales.
Vaya nuestro reconocimiento por la cultura del conocimiento compartido y la voluntad de entidades como Domestica para propiciar la transferencia de conocimiento.

En esta edición participaron un elenco de ponentes que basicamente desatan su talento al servicio de grandes mercantiles y multinacionales, un gran escaparate de aquellos que manejan el desarrollo comunicativo y visual de la maquinaria de consumo:

  • Vasava. El enfoque de Vasava se basa en poner la tecnología al servicio de la creatividad sin distinción entre ilustración, video, programación o diseño impreso
  • Nick La. Ilustrador y diseñador web, centrado en el diseño de iconos en stock, ilustración y sitios web CSS
  • DNOiSE. Agencia de comunicación y consultora digital de Madrid, formada por un equipo de 9 profesionales, que evolucionó desde sus orígenes, hace 7 años como estudio de diseño gráfico y web
  • FirstBorn. Agencia digital ubicada en NYC, líder en su sector, que trabaja sobre todo en el área online, publicidad online, campañas virales, aplicaciones digitales, 3D, vídeo HD, instalaciones interactivas y otras áreas digitales
  • HelloHikimori. Estudio de diseño independiente, con experiencia interdisciplinaria en el diseño gráfico, digital y Motion Graphics, con sede en París
  • Toch Studio. Estructura para la dirección de arte y la animación, fundado en 2008. Abierto a muchas áreas en el diseño de movimiento: la Publicidad, el Broadcasting, identidades de marca y comunicación audiovisual
  • David Peña. Conocido como Puño, es uno de los mejores ilustradores emergentes del panorama nacional. Ha trabajado en proyectos para el Instituto Cervantes, Greenpace, TED, Nike, Coca-Cola, Vudumedia, Fort Scrotum y Hopper Ink. Siempre manteniene un estilo personal, atrevido, divertido e irreverente. Un mercenario del “lapizero” con criterio y cierto grado de independencia. Un referente autodidacta

De él hemos querido reseñar su intervención que reproducimos acá.

Naturalmente hubo más ponentes y actividades, para saber + os emplezamos a visitar el sitio de MADinspain

Gif animado, 3d y stop motion desde fotografía

Las recreaciones posibles desde el fotograma son múltiples. Ahora que la tecnología flash está decayendo, resaltaremos que existen diversos caminos para la animación desde uno o varios fotogramas, o la posibilidad de escapar de las dos dimesiones en fotografía sin una cámara 3D. Todos son recursos creativos de importancia.

Acá hemos tomado tres referentes: css para el 3d, gif animado y stop motion

 

  • 2- Dos fotos en formato gif animado de Jamie Beck


 

  • 3- Abajo un stop motion de producción made in house de Eric Hanus. Este proyecto se realizó con una cámara Bolex de 16mm Non Reflex junto con sus compañeros Jeremy y Russell (en los créditos) en el contexto de una clase avanzada de Cine Experimental. La cámara está diseñada para las películas de 16mm, tuvieron que desconectar el motor y activar el disparo manual de la cámara para avanzar un fotograma cada vez, y disparar fotograma a fotograma por movimiento con el fin de dar una percepción desigual, pero suficientemente dinámica cuando se proyecta a 3 fps.
    La introducción es un conjunto de fotografías impresas y filmadas a modo intro, algunas escenas intermedias como la escena de la caída y el final se toma con movimiento continuo de 24 fps, el resto de la animación está en el método 3 fotogramas/segundo.

 

BERNARD PLOSSU en Railowsky

En la muestra que se expondrá en la galería Railowsky se reúnen 18 fotografías de diversos formatos y procedencias. Con predominio de las imágenes realizadas en América ( México y Estados Unidos ), también se pueden ver fotografías de Sri Lanka ( antiguo Ceilán ), Marruecos, Francia e incluso una curiosa imagen de la casa del fotógrafo Carlos Serrano. Las fotografías fueron realizadas entre las décadas de 1960 y 1970 del siglo XX. Vía: Juan Pedro Font de Mora

Viernes 13 de mayo a las 20 h. se inaugura en Railowsky la exposición :

“PLOSSU COLOR FRESSON”

Fotografías de Bernard Plossu
Librería Railowsky
c/Grabador Esteve, 34
46004 Valencia.
tel. 96 3517218

Las fotografías de Plossu tienen en su primera etapa, un aire casual, desprendidas desde la experiencia de su retina en los viajes, fruto de la intrascendencia intencionada y la imprevisión. Comme il faut.

Plossu es un fan de las cámaras de fotos de usar y tirar –él las llama “las cámaras de juguete”– con las que ha realizado proyectos reconocidos en el mundo del arte. Sus fotos están tomadas con una sola cámara, con un objetivo de 50 milímetros y con película de sensibilidad 400 ASA. Nunca tuvo una Leica y afirma que  siempre prefirió con ese dinero “viajar”. La mayor parte de su trabajo es analógico y BN.

Bernard Plossu tiene su primera oportunidad a los 13 años en el desierto del sahara con una Brownie Flash. Siete años más tarde se convirtió en un fotógrafo profesional. En 1965 fotografió la jungla de Chiapas, se unió a una misión etnológica y aprende en el trabajo. Recorre, fotografiando, todo el oeste americano y comienza un imparable tour desarrollando su trayectoria fotográfica por latitudes del planeta. La revista Nueva Lente le dedica en 1979 un número monográfico. En 1988 gana el Premio Nacional de Fotografía de Francia.

La muestra es excepcinal porque recoje obra en color procesada por el método fresson. Con está técnica se consigue un mayor contraste y tonos más enérgicos que proporcionan gran dramatismo a las fotografías.1 .

El Santo Grial de la impresión fotográfica: el proceso de Fresson. El origen del procedimiento, elaborado en Francia a finales del siglo XIX, pertenece al grupo de coloides dicromatados, originalmente descubierta por Alphonse Poitevin en 1855. La patente original tomada por Alhonse Poitevin describe un proceso de impresión que implica el uso de pigmentos de carbón. Una mezcla de un coloide, el pigmento negro y el compuesto dicromato crea una emulsión sensible a la luz. Después de la exposición, quedan partes de la emulsión que no son relativamente solubles y se pueden eliminar con un abrasivo ligero. Esto suele hacerse mediante el vertido de una mezcla de serrín y agua sobre la pigmentación de impresión hasta la densidad deseada. El proceso proporciona un amplio control,  el resultado se produce lentamente en la luz brillante y el acabado de copias tiene un aspecto mate único que fue muy popular entre los pictorialistas. En 1951 el proceso fue adaptado a la impresión en color por los Fresson y hasta hoy sigue siendo el único método de producir fotos “reales” en colores permanentes sobre una base comercial. Procesos de resultado similar son posibles hoy mediante impresión de tintas pigmentadas sobre HP Litho-realistic Paper, impresiones del sistema carbono Ultrsatable o Hahnemühle 308.

Tambien existen otras variables del proceso: el papel se bañaba con goma arábiga mezclada con un químico sensible que se endurecía al exponerse a la luz. La capa de goma se lava con agua dejando una impresión capaz de modificarse con diferentes instrumentos. El detalle en las impresiones de goma bicromatada era casi inexistente. En este proceso diferentes fotógrafos encontraron la libertad para generar una amplia gama de efectos relacionados con el color, el tono, las sombras y la superficie. Entre los principales exponentes de este método se encuentra el fotógrafo francés Robert Demachy (1859-1936). La goma bicromatada, popular entre los fotógrafos “pictorialistas”, fue sustituida por el proceso de bromoil

El proceso Fresson daba una textura especial a las fotografías y fue utilizado por fotógrafos famosos como Ortiz Echagüe y Demachy. Con el paso del tiempo el proceso se fue perfeccionando y será en la década de los sesenta del pasado siglo cuando los fressons en color comienzan a tener mercado. Pierre Fresson, en 1952, ejecutó la primera impresión en color directamente con carbón de leña (sin transferencia) en cuatricromía. Jóvenes fotógrafos con inquietudes artísticas como Bernard Plossu, Bernard Faucon o John Batho apuestan por este proceso por su valor estético y su excelente conservación y durabilidad.

1 Newhall, B.; Fontcuberta, J.. Historia de la fotografía. Desde sus orígenes hasta nuestros días. Barcelona: Editorial Gustavo Gili S.A.. pp. 308. ISBN 84-252-1163-8.

http://www.documentsdartistes.org/artistes/plossu/repro.html

 

Fotografía obrera 1926-1939

Exposición en el Reína Sofía 6 de abril – 22 de agosto de 2011

“…Una luz dura, sin compasión. El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939 profundiza en el análisis de un período de la historia de la fotografía del siglo XX en el cuál ésta se pone al servicio de los diversos movimientos obreros (desde el asociacionismo sindical hasta la creación de estados “de los trabajadores”, como el soviético), partiendo de la autoconciencia de la clase obrera y la toma de los mecanismos de producción y reproducción de imágenes…”   Vía:  Museo Nacional Centro de Arte Reína Sofía

Esta muestra recuerda las imágenes de un momento histórico que impregnó el abanico de la publicidad ideológica, las imágenes de vanguardia del constructivismo ruso. La comunicación visual de este movimiento supuso un punto de inflexión en la fotografía, esta dejaba de ser documental para incorporarse al elenco de las artes y también de la comunicación al servicio del avance social ideológico, así adquiría una notable dimensión en aquél momento de la mano de Stepánova, Ródchenko, Lissitzky, y tantos fotógrafos comprometidos con las dinámicas tecnológicas y creativas de componente social asociadas a las tensiones políticas de la época. Ralph Steiner tambien articulaba -en el otro lado del Atlántico- un discurso visual renovador de las BBAA y comprometido con la clase obrera.

Tiempos de maridaje entre revolución tecnológica e ideológica, tiempos de experimentación, exploración y transformación. No olvidemos que la iconografía visual de estos productores culturales, junto con los cinematógrafos Dovzhenko, Pudovkin, Eisenstein, Vértov, o Walter Ruttmann conformaron el fundamento comunicativo de la modernidad con una herencia cultural presente aún.

Walter Ruttman, es el creador de una joya del cine mudo documental Berlin, sinfonía de una gran ciudad que recomendamos enfáticamente.

También, hace dos años tuvimos en Valladolid y Madrid otra muestra coetánea de Bill Brandt de 60 imágenes que ilustran las costumbres y la vida cotidiana de los inicios de la Inglaterra industrial, un potente trabajo realizado sobre la clase obrera británica que realizó desde 1931 cuando llegó a inglaterra tras abandonar el estudio de Man Ray en París. El impacto más resonante y por lo que es más conocido son sus trabajos de desnudo en perspectivas distorsionadas y siempre BN.

Sin duda, la exposición del Reína Sofía contiene una prolífica muestra ( + de mil documentos entre fotos, carteles y revistas ) que nos trae la producción cultural realizada por trabajadores, en origen porque la revista AIZ ( Arbeiter Illustrierte Zeitung, revista ilustrada de los trabajadores ) realizó un llamamiento a sus lectores para fomentar la participación en un concurso convocado en 1926. Finalmente fué una tendencia editorial consolidada internacionalmente: los reportajes fotográficos de obreros realizados por obreros. Esta complementaria visión nos abstrae de las connotaciones de lectura que la historiografía museística ha hecho del periodo y de la fotografía a través de las vanguardias. La exposición nos emplaza ante documentos -creativos, si duda- de carácter mundano con un alto contenido de realismo inferido por la instantaneidad y por el autorretrato de clase.

Ir arriba