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Pola, pola… tiremos un pola

La firma polaroid es conocida por un producto fotográfico para el gran público, pero también ha tenido otros recorridos menos insignes. Recuerdo cuando en los estudios de fotografía (analógicos todavía) se disparaba con cámaras Sinar de fuelle (el rolls Roice de las cámaras en analógico) y antes de disparar la placa de diapositiva de 9×12 se disparaba un “pola” para tener la seguridad de las iluminaciones y de la naturaleza del color.
Muchos artistas, en una forma de pop-art, han empleado como instrumento la Polaroid. Grant Hamilton es uno de estos geniales “frikis” que nos han dado una percepción distinta y una lección de las posibilidades de las herramientas cotidianas utilizadas para la creatividad.
Hamilton ha realizado el audiovisual “Time Zero: The last year of Polaroid film“. El film es un homenaje a la cámara, a sus usuarios, recoge entrevistas a empleados y usuarios, nos traslada las emociones que se han movido en torno a la historia de esta cámara, las dificultades y éxitos de The Impossible Project.
Recordemos que la marca Polaroid dejo en 2008 de fabricar la película para estas cámaras y hubo una interesante iniciativa para conseguir de nuevo la fabricación de esta. El proyecto fué The Impossible Project y finalmente consiguió su propósito. El proyecto lo financia Ilford y tuvo origen en un grupo de operarios de la antigua fábrica de Polaroid en Enschede, Holanda. Ellos y algunos usuarios decidieron buscar inversores para reflotar la fábrica donde se producía el “Instant film”, la película que se revela sin agentes externos, en un pack. El espíritu del Impossible Project fue desarrollar un producto de calidad que fuera medioambientalmente adecuado y accesible económicamente.

Aquí el trailer del film documental que se estrenó en Film Festival Boston este pasado 28 de abril y nos cuenta el histórico de esta cámara.

Un punto de inflexión en la fotografía.

El constante desarrollo tecnológico trae esta vez una innovación que revolucionará la captura fotográfica. Son las cámaras de área ó campos de luz.
La primera ha sido la denominada Lytro. Viene a ser una reformulación del slogan kodak “Usted pulsa el botón y nosotros hacemos el resto” que ahora vendría a ser “tu dispara que todo lo arregla el soft (las microlentes en este caso)”. El concepto de aquella filosofía era el de la naturaleza no cualificada del fotógrafo, una estrategia de marketing orientada al producto que no requiere esfuerzos ni conocimientos, dirigido al gran público, para obtener grandes cifras de venta mor de una amplia cuota de mercado. Ahora tenemos un avance tecnológico que nos aproxima a la posibilidad de la captura cuasi-lomografía, podemos disparar sin demasiado criterio de zonas de enfoque, luego puedes reprocesar y decidir. Pienso que los lomógrafos -los no estrictamente devotos de la química y sí de la filosofía de la imprevisión- podrían encontrar una rama de esta “disciplina” con estos dispositivos.


Cámara de áreas de luz “Lytro”

De una estética absurda para una cámara, responde según sus fabricantes a una imagen icónica 3.0. La cámara en sí es un prisma de forma cuadrada, alrededor de 11 cm (4,4 “) de largo y alrededor de 4 cm (1,6”) cuadrados. Alrededor de dos tercios de su longitud de aluminio anodizado está desnudo, alberga una lente equivalente 35-280 mm de apertura diafragma F2 constante. El resto de su longitud está recubierto de una goma blanda, de color gris claro, en que la cámara incorpora tres controles físicos: el interruptor de encendido, un botón de disparo y un control deslizante de zoom que mueve las lentes de entrada y salida. Dispone de interacción que se realiza a través de la pequeña pantalla táctil 128×128 píxeles que se aloja en la cara posterior del dispositivo.

Pero lo más interesante de esta cámara es la concepción de la captura y toma de la luz. Ya no se hablará de pixeles sino de haces de luz, y esto porque en lugar de dirigir la luz hacia el sensor directamente como lo haría una cámara convencional, la luz incide sobre una gran variedad de microlentes dispuestos en una matriz a una distancia corta en la parte frontal del sensor. Estas microlentes están diseñados para dividir la información a través de múltiples píxeles, dependiendo del ángulo desde donde ha llegado. Las microlentes separan los rayos de luz antes de llegar al sensor. La cámara registra datos de luminosidad, ángulos de incidencia y posición del sensor, de manera que se conserva toda la información de dirección de los haces de luz que han generado las microlentes. Desde esta información, con posterioridad a la captura podemos determinar si el sensor está más cerca o más arriba respecto del objeto o sujeto fotografiado y si efectivamente lo está enfocando, y podremos volver a calcular los haces de los rayos de luz dónde queramos que sean proyectados para determinar un enfoque u otro.

En la web corporativa se puede comprobar el resultado técnico, la interfaz y realizar el enfoque en una galeria de fotos

Esta tecnología no sólo permite volver a calcular imágenes con puntos de enfoque diferentes, además, la lente de la cámara no tiene que ser enfocada en un solo punto, capturamos la imagen al azar y luego hacemos el enfoque. La gran ventaja es disponer de una cámara de apuntar y disparar. No hay motores en movimiento como en los objetivos, esto permite el disparo instantáneo sin dilación.


Corte transversal y funcionamiento de la cámara de áreas de luz “Lytro”

Sarah Small. Tableau Vivant (Cuadro viviente)

Sarah small y su equipo trabajan para completar la película documental “Tableau Vivant” de Construcciones Delirium, y al mismo tiempo, también en la preparación de una gira internacional de actuación en directos.
Construcciones Delirium afronta una exploración en el proceso evolutivo de la creatividad con la comunidad que participa en este proceso, nos deja contemplar las verdades crudas y conmovedoras sobre el anhelo eterno de la humanidad para encontrar la conexión dentro de nosotros mismos y con los demás. Los ingredientes escénicos son: recreación visual de la imagen fotográfica estática, evocación de estilo clásico, música búlgara a capella y ópera, todo con una impactante personalidad visual.

El audiovisual integra la performance en la antigua Caja de Ahorros de Williamsburg, en Hanson Place, New York y ahora conocida como la “Claraboya Un Hanson”. En este acto Sara Small explora con el tableau vivant un fenómeno social específico: el ritual del matrimonio.
Las ceremonias de boda representan, con sus aires de boato y rectitud religiosa, la más íntima unión de dos individuos en la esfera más pública, este es el argumento (la celebración) para su exploración y análisis en el marco del proyecto. En las noches del 23 y 24 de mayo de 2011, Sara Small actuó como oficiante legal de tres parejas (dos bodas y una ceremonia de renovación de votos) en el mismo espacio y mientras dirigía el reparto de Tableau Vivant en sus propias evoluciones sobre el tema en un espectáculo, mezclando el arte del performance con la realidad en un cóctel irresistible.
Integran esta puesta en escena la banda de cámara-pop “Edison Woods”, el conjunto de cámara “YMusic”, las “Black Sea Hotel” (grupo a capella del Mar Negro) y, por supuesto Shara Worden que es la que canta el aria.
La película “Tableau Vivant” (Cuadro viviente) de Construcciones Delirium es impulsada además por las interacciones personales con 120 modelos de reparto y el equipo creativo. Tableau Vivant fue ideado originalmente como una forma de promover las fotos de Sarah Small. Ella es una artista estadounidense, fotógrafa, cantante y directora de cine que recrea las interrelaciones humanas construyendo escenarios teatrales para provocar las emociones del espectador.
Después del lanzamiento de la película, Sarah Small y sus colaboradores harán una gira a nivel mundial representando la performance y llegando a 13 ciudades importantes, entre ellas Bruselas, Tel Aviv, Berlín, París y Sydney hasta 2013. Así pués, mientras el documento cinematográfico circula, el proceso evolutivo de construcción de esta obra también continúa, Saran Small quiere examinar cuestiones específicas de la cultura, los rituales del matrimonio, todo ello en paralelo con sus estudios en curso de la búsqueda de la intimidad y la inter-conexión por todo el mundo. Ella pretende oficiar 13 matrimonios legales en el curso de su viaje internacional: continuará uniendo la realidad con la performance.
En este workflow el público tiene y tendrá acceso íntimo a la experiencia única de aislamiento y comunitaria de los miembros de esta familia de artistas en todo el proceso de casting, ensayos y realización del proyecto Tableau Vivant en vivo. Varios de los participantes, incluida Small, insertan sus historias de vida, dando peso y claridad a las imágenes creadas en “Tableau Vivant“.
Para nosotros este ecléctico trabajo presenta la esencia de la humanidad en su diversidad y humildad, es una exploración narrativa que edita una sinfonía visual y sonora. La musica está compuesta por Sarah small y Rima Fand. La puesta en escena reune aspectos clásicos y performer, este último arraigado en la escuela escénica de los cuadros vivientes, comunicando un universo alternativo. En parte es un homenaje a la historia del arte -la celebración gozosa- y experimenta un extremo radical, conviven cuadros pequeños de la humanidad a través de la reunión de una variada colección de emociones, gestos, expresiones faciales y movimiento, lo que representa una enciclopedia visual de la condición humana.
Anecdóticamente comentaremos que esta forma teatral de los cuadros vivientes nace con Madame de Genlis -considerada reaccionaria 1 por abogar por un espíritu de virtud y religión en su obra literaria- cuando comenzó (según ella misma, fué la pionera) la escuela del llamado théâtre d’éducation 2, método empleado por ella para la instrucción de los infantes del Duque de Orleans.

1-Mitos y modelos femeninos en la literatura francesa del siglo XVIII. Tesis doctoral de Ma DEL CARMEN MARRERO MARRERO. Intro-pag.5
2-Obra teatral estudiada por Plagnol-Diéval, Marie-Emmanuelle: Madame de Genlis et le théâtre d’éducation au XVIII siècle, Oxford, Voltaire Foundation, 1997

El vino divino. Erika Szöke

Ensayo acerca del vino. Un trabajo -talludito por el tiempo- que hemos rescatado del histórico de Erika.

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Liu Bolin hace “integración urbana” + crítica política

Una muestra de su trabajo más conocido “Escondidos en la ciudad” -que le ha procurado el sobrenombre “The Invisible Man”– estará expuesta en Estocolmo desde el 2 de Julio al 11 septiembre 2011 en el ente Fotografiska (curator Michelle Marie Roy). Él lleva la práctica del body painting o el camuflaje hasta la espectacularidad cromática.

Es en parte fotográfo y performer estático que captura su cuidada escenificación. Lógicamente no hace la captura fotográfica él mismo, pero si determina y controla todos los parámetros mediante sus colaboradores que incluso realizan el making off. Vease youtube

En 2005 se sitúa en la Aldea Suojiacun artistas, un conjunto-residencia de artistas que fué objeto de una demolición programada por las autoridades Chinas. Él junto con otros  más de 100 artistas participaron en una acción creativa organizada por el curador Zhang Zhaohui y conformaron la exposición Demoledor! Demoledor! Demoledor!. Los artistas fueron invitados a hacer uso de los materiales de demolición de las obras para exponer una protesta contra la opresión del gobierno chino porque según el artista “el gobierno decidió impedir que los artistas pudieran vivir y trabajar juntos, a pesar de que el arte contemporáneo estaba en rápida expansión en Beijing en el momento” . La contribución de Liu Bolin fue “Ocultos demolición” y mostró el cuerpo de Liu Bolin, camuflado para mezclarse con los escombros. Fue la primera fotografía de esta sertie que luego fomentó la muestra de que hablamos aquí.

Hay varios interrogantes que nos trasladan a la génesis de esta serie: ¿Por qué Liu Bolin usó el color para crear la ilusión de camuflaje? Las imágenes Liu Bolin son, desde el conflicto con las autoridades chinas, una manera de expresar cómo su libertad artística fue violada en China, es la expresión y necesidad de ser imperceptible para permanecer en una actividad creativa, esta expresión inicialmente se fundamenta en una alegoría.

La foto inicial de la exposición “Hiding in the City” es una obra en la que Liu Bolin aparece en el estadio olímpico llamado “nido de pájaro” (por su estructura de vigas entrecruzadas), es decir, recreando los Juegos Olímpicos de Pekín 2008. El Estadio Olímpico fue construido por el estudio de arquitectura suizo Herzog & de Meuron, con el asesoramiento del artista chino Ai Weiwei en 2008. En abril de 2011 Ai Weiwei fue detenido por sus actividades críticas contra el régimen comunista. En sus fotografías, que se habían tomado varios años antes que de Ai Weiwei fue arrestado, Liu Bolin habría plasmado inconscientemente la tensa relación entre el gobierno y los artistas contemporáneos, el clima político y cultural de Beijing, según el curador Zhang Zhaohui

Liu Bolin (1973 -) nació en la provincia de Shangdong, y recibió su licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Artes de Shandong. Se mudó a Beijing en 1999 y estudió escultura de Sui Jiangou en la Academia Central de Bellas Artes. 2005 él tomó su grado de Maestría en Bellas Artes

Con el tiempo esta línea de trabajo body painting/camuflaje ha dado como resultado una muestra cosmopolita de diversos paisajes urbanos que se puede ver aquí y más extensamente mediante la galería Eli Klein de NY/Beijing ó en ibytes

 

 

Gif animado, 3d y stop motion desde fotografía

Las recreaciones posibles desde el fotograma son múltiples. Ahora que la tecnología flash está decayendo, resaltaremos que existen diversos caminos para la animación desde uno o varios fotogramas, o la posibilidad de escapar de las dos dimesiones en fotografía sin una cámara 3D. Todos son recursos creativos de importancia.

Acá hemos tomado tres referentes: css para el 3d, gif animado y stop motion

 

  • 2- Dos fotos en formato gif animado de Jamie Beck


 

  • 3- Abajo un stop motion de producción made in house de Eric Hanus. Este proyecto se realizó con una cámara Bolex de 16mm Non Reflex junto con sus compañeros Jeremy y Russell (en los créditos) en el contexto de una clase avanzada de Cine Experimental. La cámara está diseñada para las películas de 16mm, tuvieron que desconectar el motor y activar el disparo manual de la cámara para avanzar un fotograma cada vez, y disparar fotograma a fotograma por movimiento con el fin de dar una percepción desigual, pero suficientemente dinámica cuando se proyecta a 3 fps.
    La introducción es un conjunto de fotografías impresas y filmadas a modo intro, algunas escenas intermedias como la escena de la caída y el final se toma con movimiento continuo de 24 fps, el resto de la animación está en el método 3 fotogramas/segundo.

 

BERNARD PLOSSU en Railowsky

En la muestra que se expondrá en la galería Railowsky se reúnen 18 fotografías de diversos formatos y procedencias. Con predominio de las imágenes realizadas en América ( México y Estados Unidos ), también se pueden ver fotografías de Sri Lanka ( antiguo Ceilán ), Marruecos, Francia e incluso una curiosa imagen de la casa del fotógrafo Carlos Serrano. Las fotografías fueron realizadas entre las décadas de 1960 y 1970 del siglo XX. Vía: Juan Pedro Font de Mora

Viernes 13 de mayo a las 20 h. se inaugura en Railowsky la exposición :

“PLOSSU COLOR FRESSON”

Fotografías de Bernard Plossu
Librería Railowsky
c/Grabador Esteve, 34
46004 Valencia.
tel. 96 3517218

Las fotografías de Plossu tienen en su primera etapa, un aire casual, desprendidas desde la experiencia de su retina en los viajes, fruto de la intrascendencia intencionada y la imprevisión. Comme il faut.

Plossu es un fan de las cámaras de fotos de usar y tirar –él las llama “las cámaras de juguete”– con las que ha realizado proyectos reconocidos en el mundo del arte. Sus fotos están tomadas con una sola cámara, con un objetivo de 50 milímetros y con película de sensibilidad 400 ASA. Nunca tuvo una Leica y afirma que  siempre prefirió con ese dinero “viajar”. La mayor parte de su trabajo es analógico y BN.

Bernard Plossu tiene su primera oportunidad a los 13 años en el desierto del sahara con una Brownie Flash. Siete años más tarde se convirtió en un fotógrafo profesional. En 1965 fotografió la jungla de Chiapas, se unió a una misión etnológica y aprende en el trabajo. Recorre, fotografiando, todo el oeste americano y comienza un imparable tour desarrollando su trayectoria fotográfica por latitudes del planeta. La revista Nueva Lente le dedica en 1979 un número monográfico. En 1988 gana el Premio Nacional de Fotografía de Francia.

La muestra es excepcinal porque recoje obra en color procesada por el método fresson. Con está técnica se consigue un mayor contraste y tonos más enérgicos que proporcionan gran dramatismo a las fotografías.1 .

El Santo Grial de la impresión fotográfica: el proceso de Fresson. El origen del procedimiento, elaborado en Francia a finales del siglo XIX, pertenece al grupo de coloides dicromatados, originalmente descubierta por Alphonse Poitevin en 1855. La patente original tomada por Alhonse Poitevin describe un proceso de impresión que implica el uso de pigmentos de carbón. Una mezcla de un coloide, el pigmento negro y el compuesto dicromato crea una emulsión sensible a la luz. Después de la exposición, quedan partes de la emulsión que no son relativamente solubles y se pueden eliminar con un abrasivo ligero. Esto suele hacerse mediante el vertido de una mezcla de serrín y agua sobre la pigmentación de impresión hasta la densidad deseada. El proceso proporciona un amplio control,  el resultado se produce lentamente en la luz brillante y el acabado de copias tiene un aspecto mate único que fue muy popular entre los pictorialistas. En 1951 el proceso fue adaptado a la impresión en color por los Fresson y hasta hoy sigue siendo el único método de producir fotos “reales” en colores permanentes sobre una base comercial. Procesos de resultado similar son posibles hoy mediante impresión de tintas pigmentadas sobre HP Litho-realistic Paper, impresiones del sistema carbono Ultrsatable o Hahnemühle 308.

Tambien existen otras variables del proceso: el papel se bañaba con goma arábiga mezclada con un químico sensible que se endurecía al exponerse a la luz. La capa de goma se lava con agua dejando una impresión capaz de modificarse con diferentes instrumentos. El detalle en las impresiones de goma bicromatada era casi inexistente. En este proceso diferentes fotógrafos encontraron la libertad para generar una amplia gama de efectos relacionados con el color, el tono, las sombras y la superficie. Entre los principales exponentes de este método se encuentra el fotógrafo francés Robert Demachy (1859-1936). La goma bicromatada, popular entre los fotógrafos “pictorialistas”, fue sustituida por el proceso de bromoil

El proceso Fresson daba una textura especial a las fotografías y fue utilizado por fotógrafos famosos como Ortiz Echagüe y Demachy. Con el paso del tiempo el proceso se fue perfeccionando y será en la década de los sesenta del pasado siglo cuando los fressons en color comienzan a tener mercado. Pierre Fresson, en 1952, ejecutó la primera impresión en color directamente con carbón de leña (sin transferencia) en cuatricromía. Jóvenes fotógrafos con inquietudes artísticas como Bernard Plossu, Bernard Faucon o John Batho apuestan por este proceso por su valor estético y su excelente conservación y durabilidad.

1 Newhall, B.; Fontcuberta, J.. Historia de la fotografía. Desde sus orígenes hasta nuestros días. Barcelona: Editorial Gustavo Gili S.A.. pp. 308. ISBN 84-252-1163-8.

http://www.documentsdartistes.org/artistes/plossu/repro.html

 

Fotografía obrera 1926-1939

Exposición en el Reína Sofía 6 de abril – 22 de agosto de 2011

“…Una luz dura, sin compasión. El movimiento de la fotografía obrera, 1926-1939 profundiza en el análisis de un período de la historia de la fotografía del siglo XX en el cuál ésta se pone al servicio de los diversos movimientos obreros (desde el asociacionismo sindical hasta la creación de estados “de los trabajadores”, como el soviético), partiendo de la autoconciencia de la clase obrera y la toma de los mecanismos de producción y reproducción de imágenes…”   Vía:  Museo Nacional Centro de Arte Reína Sofía

Esta muestra recuerda las imágenes de un momento histórico que impregnó el abanico de la publicidad ideológica, las imágenes de vanguardia del constructivismo ruso. La comunicación visual de este movimiento supuso un punto de inflexión en la fotografía, esta dejaba de ser documental para incorporarse al elenco de las artes y también de la comunicación al servicio del avance social ideológico, así adquiría una notable dimensión en aquél momento de la mano de Stepánova, Ródchenko, Lissitzky, y tantos fotógrafos comprometidos con las dinámicas tecnológicas y creativas de componente social asociadas a las tensiones políticas de la época. Ralph Steiner tambien articulaba -en el otro lado del Atlántico- un discurso visual renovador de las BBAA y comprometido con la clase obrera.

Tiempos de maridaje entre revolución tecnológica e ideológica, tiempos de experimentación, exploración y transformación. No olvidemos que la iconografía visual de estos productores culturales, junto con los cinematógrafos Dovzhenko, Pudovkin, Eisenstein, Vértov, o Walter Ruttmann conformaron el fundamento comunicativo de la modernidad con una herencia cultural presente aún.

Walter Ruttman, es el creador de una joya del cine mudo documental Berlin, sinfonía de una gran ciudad que recomendamos enfáticamente.

También, hace dos años tuvimos en Valladolid y Madrid otra muestra coetánea de Bill Brandt de 60 imágenes que ilustran las costumbres y la vida cotidiana de los inicios de la Inglaterra industrial, un potente trabajo realizado sobre la clase obrera británica que realizó desde 1931 cuando llegó a inglaterra tras abandonar el estudio de Man Ray en París. El impacto más resonante y por lo que es más conocido son sus trabajos de desnudo en perspectivas distorsionadas y siempre BN.

Sin duda, la exposición del Reína Sofía contiene una prolífica muestra ( + de mil documentos entre fotos, carteles y revistas ) que nos trae la producción cultural realizada por trabajadores, en origen porque la revista AIZ ( Arbeiter Illustrierte Zeitung, revista ilustrada de los trabajadores ) realizó un llamamiento a sus lectores para fomentar la participación en un concurso convocado en 1926. Finalmente fué una tendencia editorial consolidada internacionalmente: los reportajes fotográficos de obreros realizados por obreros. Esta complementaria visión nos abstrae de las connotaciones de lectura que la historiografía museística ha hecho del periodo y de la fotografía a través de las vanguardias. La exposición nos emplaza ante documentos -creativos, si duda- de carácter mundano con un alto contenido de realismo inferido por la instantaneidad y por el autorretrato de clase.

Como la hize

Seguimos desde hace tiempo un brote didáctico en forma y manera de  interesante galería con muestras fotográficas. Son fotografí­as seleccionadas de entre las que envían aficionados y profesionales.

El valor añadido de esta recopilación fotográfica en formato blog ( similar a cadadiaunfotografo ) es que:

  1. Existe una selección realizada con criterio
  2. El periodista Ramón Peco tutela en el blog la linea editorial y Edu Parra también “asoma la nariz”
  3. Exartia Media quesabesde auspicia esta iniciativa
  4. El formato tiene carácter pedagógico y de conocimiento compartido para los neófitos de la fotografía

Recomendable, si quieres “prosperar” en el conocimiento de la captura de ese fenómeno llamado longitud de onda que es la luz. Esta es una buena manera de contemplar e investigar como se llega a un resultado de interés.

http://www.comolahice.com/

Huahezu

Huahezu planea y plantea.

Con este titular tan rocambolesco y estrambótico damos entrada al anuncio de una nueva entrega de trabajos de un activista cultural y colaborador. Hacemos extensivo el aliño del titular para la presentación de esta suerte de superheroe marvel del activismo cultural.

En este trabajo encontramos una consolidación de estilos que ha tenido una fenomenal acogida entre los críticos de esta casa. Encontramos dos líneas de técnica imbricada: fotografía e ilustración. Una yuxtaposición armónica que enriquece los conceptos manejados: símbolos de factura lírica al servicio de un contrato de comunicación creíble y factible.

Huahezu
Serie Marvel New Super Héroes: Psicodelic Huahezu

Esta colección se encontrará desde ya en el espacio e-crayon en el Mercado de Campanar

Juan Jesús Peñarocha, conocido como “Huahezu“, es un anti-artista multidisciplinar y autodidacta. Su trayectoria esta fundamentada en la itinerancia a través de la experimentación. Itinerancia como capacidad de enviar y recibir, libertad de movimiento intelectual, traslación de diversidad escénica y suministro de ideas.

Huahezu huye de las normas académicas establecidas, reinterpreta el arte a su aire y compone desde su “ver la vida”. Incluye en su catálogo diversos aspectos, desde conceptos elementales hasta aparentes banalidades superfluas que ocultan la expresión de algo muy urgente y esencial en la vida de una persona. El conjunto tras este umbral compone su propio y característico dogma artístico que deviene en adjetivos de prefijo “in”, inenarrable, inefable, inclasificable y en palabras del propio autor: inexplicable.

El producto que resulta de su trabajo muestra en apariencia un lenguaje encerrado en sí mismo, como una forma más extrema que establece un diálogo con el mundo exterior mediante metalenguajes, autista y extraño, donde aparentemente tiene más urgencia la expresión propia. Sin embargo, existe el hecho comunicativo que sustancia un hombre luchando por encontrarse, por encontrar su voz, y en la contradicción emerge el principio de un diálogo que busca nuestra respuesta, un principio de comunicación que presupone que alguien escucha, que alguien interpretará y responderá. Como en las expresiones outsider , subyace una solicitud para el debido esfuerzo de la comprensión, para llegar a entender, conseguir respuestas, llegar al encuentro de emisor-receptor y hacerlo en espacios que hablan de aquellas cosas a las que nos enfrentamos todos, las que constituyen lo que nos importa…

Su preferencia por los soportes tecnológicos nos traslada al mundo “geek”. Él hace una apuesta por compartir el conocimiento, defiende el uso del software libre, software que utiliza para realizar sus propias creaciones. Un valor añadido, su compromiso social compartido con la comunidad de desarrolladores del software puesto a disposición de la sociedad.

Decía Alvin Toffler “El analfabeto de mañana no será la persona incapaz de leer. El analfabeto de mañana será la persona que no ha aprendido cómo aprender “. Podemos decir que su obra es un reflejo de está linea abierta de pensamiento, la de aprender y compartir conocimiento. Huahezu expone y da a conocer su obra del mismo modo que un internauta comparte sus ideas y su experiencia en un foro.

Ópticas y sensores intercambiables para cualquier marca

La industria de la fotografía blinda sus posibilidades de business.
Tecnológicamente es posible fabricar cuerpos de cámaras donde sea sustituible el conjunto de captación: chip procesador, sensor, circuito integrado, algoritmo de conversión señal analógico/digital y hasta el software de gestión. Esta configuración de las máquinas fotográficas permitiría al consumidor comprar cuerpos de una buena construcción que durasen como antaño las cámaras profesionales, cambiando los mecanismos de captación en función de las innovaciones tecnológicas y en cualquier caso, también daría una opción versátil de trasladar un conjunto sensor (CMOS, CCD, FOVEON) a otra máquina de distinto fabricante.
Lo mismo sucede con las ópticas intercambiables, un estándar de montura universal, permitiría montar ópticas de cualquier fabricante en diversas cámaras.
En definitiva estamos hablando, desde el aspecto técnico, de que un cuerpo de cámara no es más que una caja que contiene un sensor, aisla de la luz y dispone de diversos mecanismos para, de una forma u otra, administrar la entrada de luz hasta el sensor. Podríamos utilizar el símil del mecanismo de un botijo, por un lado entra luz y se deposita en otro, claro que esto es una ironía fácil, porque la mecánica de la cámara dispone de obturador, fotómetro, y además requiere subprogramas de gestión y edición.
Pero no nos confundamos, es posible -y sensato para el consumidor- aislar el cuerpo de la cámara dotándolo de adaptabilidad para cualquier dispositivo óptico y/o de captación. El problema radica en una industria dispuesta a ordeñar las posibibilidades mercantilistas de los avances tecnológicos, presentando modelos que hacen aportaciones novedosas por causa tecnológica y que se prodigan en múltiples productos de diversas marcas que conforman un universo de incompatibilidades y formatos, obligando al consumidor al recambio de todo el cuerpo de la cámara por un cambio tecnológico que probablemente ha sido administrado en su presentación a los mercados, agotando plazos de reposición y consumo. De la misma forma, la incompatibilidad en los sistemas de montura, hacen del consumidor esclavo de un fabricante (tras una inversión en lentes de una marca), una vez has comprado esa lente tan maravillosa y costosa, resulta que la marca en la que va montada se queda tecnológicamente atrasadilla en el desarrollo de sensores (sirva de ejemplo el caso de nikon en los tiempos de la D100) y no puedes cambiar de sistema-marca salvo que compres nuevas ópticas y desaproveches la inversión anteriormente realizada.

El grado de perversidad de este contexto nos llega de la mano de las informaciones volcadas por Wikileaks, nada que no sospecháramos. Un detallado recopilatorio de las actas de reuniones mantenidas al más alto nivel entre las firmas del sector, revela acuerdos para fortalecer el actual stablishment y la incompatibilidad entre diferentes sistemas, apostando por sensores de tamaño diferente que dificultasen, aún más, cualquier intento de homogenización inclusive en los ámbitos de las ópticas. Fuente: quesabesde

Hace tiempo que desde el proyecto e-crayon estamos explorando las posibilidades de reunir comunidades de desarrolladores, geeks de la fotografia, técnicos de ingeniería industrial, ingenieros de electrónica, y en definitiva, un grupo de personas con cualificaciones diversas que con un denominador común (liberar productos fotográficos) que quieran participar en un propósito de reprogramar chips de cámaras en el mercado de segunda mano, buscar chips y sensores disponibles en el mercado para su adaptación, creación de talleres de adaptación tecnológica digital y reutilización del amplio surtido de cámaras analógicas disponibles en el mercado de segunda mano en diferentes formatos: 35 mm,  formato medio y grande (Mamiya, Haselblad, Brónica, Sinar, Nikon, Pentax, etc). Suena un poco friki, pero esta es de las pocas opciones que tenemos consumidores y ciudadanos para contravenir las tendencias de mercado, tendencias que nos condenan a la obediencia sumisa respecto de los intereses mercantiles de la industria fotográfica. Cabe pués, propiciar la creatividad en todos los ámbitos y estar más cerca de la bienaventurada libertad.

El espíritu y parámetros que suscribimos para impulsar esta iniciativa que se haya en fase de reclutamiento son: trabajo a realizar en i+d, transferencia de conocimiento, actitud de crecimiento, honestidad de propósitos, compatibilidad de objetivos personales y sociales, claves empíricas y científicas metodológicamente aplicadas en los trabajos. Si estás interesado, escribenos mediante un comentario de esta noticia y nos llegará tu propuesta, que no será publicada como comentario y será totalmente privada.

Es de interés reseñar que ya hay personas trabajando en opciones no estandarizadas por las plataformas hegemónicas. Existen otros proyectos de desarrollo y producción, que inicialmente tienen una condición de progreso, colaboración, reparto de cargas de i+d y transferencia de conocimiento. Módelos como el de la plataforma Linux constituyen un refente.

En el escenario de desarrollo hablaremos de Guillermo Luijk. Este hace una labor como investigador experimental , poniendo a disposición sus conocimientos y ensayos. Luijk expone con claridad sus expectativas personales, considerando incluso su posterior y legítima rentabilización: “…Eso no quita para que en un momento dado surjan oportunidades en las que sea lícito aprovechar el esfuerzo realizado…”. Sus aportaciones hace tiempo que las vamos siguiendo y resultan ejemplares.

De otro lado, y como muestra de otras iniciativas, referiremos la creación de firmware para cámaras. Primero fué para la Canon EOS 40D, un sitio ruso lanzó un programa que permite grabar vídeo con esta cámara digital. Después Olivier Giron ha diseñado un software que permite capturar video en las nikon D700. Fuentes: Engadget , Makecine

Limpia tu vista. Erika Szöke

Uno de los mejores trabajos de Erika.

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