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Pola, pola… tiremos un pola

La firma polaroid es conocida por un producto fotográfico para el gran público, pero también ha tenido otros recorridos menos insignes. Recuerdo cuando en los estudios de fotografía (analógicos todavía) se disparaba con cámaras Sinar de fuelle (el rolls Roice de las cámaras en analógico) y antes de disparar la placa de diapositiva de 9×12 se disparaba un “pola” para tener la seguridad de las iluminaciones y de la naturaleza del color.
Muchos artistas, en una forma de pop-art, han empleado como instrumento la Polaroid. Grant Hamilton es uno de estos geniales “frikis” que nos han dado una percepción distinta y una lección de las posibilidades de las herramientas cotidianas utilizadas para la creatividad.
Hamilton ha realizado el audiovisual “Time Zero: The last year of Polaroid film“. El film es un homenaje a la cámara, a sus usuarios, recoge entrevistas a empleados y usuarios, nos traslada las emociones que se han movido en torno a la historia de esta cámara, las dificultades y éxitos de The Impossible Project.
Recordemos que la marca Polaroid dejo en 2008 de fabricar la película para estas cámaras y hubo una interesante iniciativa para conseguir de nuevo la fabricación de esta. El proyecto fué The Impossible Project y finalmente consiguió su propósito. El proyecto lo financia Ilford y tuvo origen en un grupo de operarios de la antigua fábrica de Polaroid en Enschede, Holanda. Ellos y algunos usuarios decidieron buscar inversores para reflotar la fábrica donde se producía el “Instant film”, la película que se revela sin agentes externos, en un pack. El espíritu del Impossible Project fue desarrollar un producto de calidad que fuera medioambientalmente adecuado y accesible económicamente.

Aquí el trailer del film documental que se estrenó en Film Festival Boston este pasado 28 de abril y nos cuenta el histórico de esta cámara.

Sarah Small. Tableau Vivant (Cuadro viviente)

Sarah small y su equipo trabajan para completar la película documental “Tableau Vivant” de Construcciones Delirium, y al mismo tiempo, también en la preparación de una gira internacional de actuación en directos.
Construcciones Delirium afronta una exploración en el proceso evolutivo de la creatividad con la comunidad que participa en este proceso, nos deja contemplar las verdades crudas y conmovedoras sobre el anhelo eterno de la humanidad para encontrar la conexión dentro de nosotros mismos y con los demás. Los ingredientes escénicos son: recreación visual de la imagen fotográfica estática, evocación de estilo clásico, música búlgara a capella y ópera, todo con una impactante personalidad visual.

El audiovisual integra la performance en la antigua Caja de Ahorros de Williamsburg, en Hanson Place, New York y ahora conocida como la “Claraboya Un Hanson”. En este acto Sara Small explora con el tableau vivant un fenómeno social específico: el ritual del matrimonio.
Las ceremonias de boda representan, con sus aires de boato y rectitud religiosa, la más íntima unión de dos individuos en la esfera más pública, este es el argumento (la celebración) para su exploración y análisis en el marco del proyecto. En las noches del 23 y 24 de mayo de 2011, Sara Small actuó como oficiante legal de tres parejas (dos bodas y una ceremonia de renovación de votos) en el mismo espacio y mientras dirigía el reparto de Tableau Vivant en sus propias evoluciones sobre el tema en un espectáculo, mezclando el arte del performance con la realidad en un cóctel irresistible.
Integran esta puesta en escena la banda de cámara-pop “Edison Woods”, el conjunto de cámara “YMusic”, las “Black Sea Hotel” (grupo a capella del Mar Negro) y, por supuesto Shara Worden que es la que canta el aria.
La película “Tableau Vivant” (Cuadro viviente) de Construcciones Delirium es impulsada además por las interacciones personales con 120 modelos de reparto y el equipo creativo. Tableau Vivant fue ideado originalmente como una forma de promover las fotos de Sarah Small. Ella es una artista estadounidense, fotógrafa, cantante y directora de cine que recrea las interrelaciones humanas construyendo escenarios teatrales para provocar las emociones del espectador.
Después del lanzamiento de la película, Sarah Small y sus colaboradores harán una gira a nivel mundial representando la performance y llegando a 13 ciudades importantes, entre ellas Bruselas, Tel Aviv, Berlín, París y Sydney hasta 2013. Así pués, mientras el documento cinematográfico circula, el proceso evolutivo de construcción de esta obra también continúa, Saran Small quiere examinar cuestiones específicas de la cultura, los rituales del matrimonio, todo ello en paralelo con sus estudios en curso de la búsqueda de la intimidad y la inter-conexión por todo el mundo. Ella pretende oficiar 13 matrimonios legales en el curso de su viaje internacional: continuará uniendo la realidad con la performance.
En este workflow el público tiene y tendrá acceso íntimo a la experiencia única de aislamiento y comunitaria de los miembros de esta familia de artistas en todo el proceso de casting, ensayos y realización del proyecto Tableau Vivant en vivo. Varios de los participantes, incluida Small, insertan sus historias de vida, dando peso y claridad a las imágenes creadas en “Tableau Vivant“.
Para nosotros este ecléctico trabajo presenta la esencia de la humanidad en su diversidad y humildad, es una exploración narrativa que edita una sinfonía visual y sonora. La musica está compuesta por Sarah small y Rima Fand. La puesta en escena reune aspectos clásicos y performer, este último arraigado en la escuela escénica de los cuadros vivientes, comunicando un universo alternativo. En parte es un homenaje a la historia del arte -la celebración gozosa- y experimenta un extremo radical, conviven cuadros pequeños de la humanidad a través de la reunión de una variada colección de emociones, gestos, expresiones faciales y movimiento, lo que representa una enciclopedia visual de la condición humana.
Anecdóticamente comentaremos que esta forma teatral de los cuadros vivientes nace con Madame de Genlis -considerada reaccionaria 1 por abogar por un espíritu de virtud y religión en su obra literaria- cuando comenzó (según ella misma, fué la pionera) la escuela del llamado théâtre d’éducation 2, método empleado por ella para la instrucción de los infantes del Duque de Orleans.

1-Mitos y modelos femeninos en la literatura francesa del siglo XVIII. Tesis doctoral de Ma DEL CARMEN MARRERO MARRERO. Intro-pag.5
2-Obra teatral estudiada por Plagnol-Diéval, Marie-Emmanuelle: Madame de Genlis et le théâtre d’éducation au XVIII siècle, Oxford, Voltaire Foundation, 1997

El vino divino. Erika Szöke

Ensayo acerca del vino. Un trabajo -talludito por el tiempo- que hemos rescatado del histórico de Erika.

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Doze magazine

Traemos un número de la revista on-line Doze magazine. Dicen que nace con el propósito de ofrecer un espacio a los fotógrafos e ilustradores que inundan internet con sus obras y que comparten con nosotros la inquietud por determinados instantes de la vida cotidiana.

Realizan una buena maquetación y contiene un interesante escaparate de trabajos creativos. Con 6 números a la vista ya conforman un potente espacio comunicativo. La Revista responde a un criterio estético y linea editorial urban 2.0, se trata de una iniciativa del Colectivo Movimente

En este número excelentes trabajos de Asger Carlsen, Biel Capllonch, Erik Mark Sandberg, Jim Kazanjian, kimiko yoshida, Levi Van Veluw, Michel Johansson, Roller Ballen, Xavier Delory y Xhxix

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+ números de DOZE MAGAZINE

Liu Bolin hace “integración urbana” + crítica política

Una muestra de su trabajo más conocido “Escondidos en la ciudad” -que le ha procurado el sobrenombre “The Invisible Man”– estará expuesta en Estocolmo desde el 2 de Julio al 11 septiembre 2011 en el ente Fotografiska (curator Michelle Marie Roy). Él lleva la práctica del body painting o el camuflaje hasta la espectacularidad cromática.

Es en parte fotográfo y performer estático que captura su cuidada escenificación. Lógicamente no hace la captura fotográfica él mismo, pero si determina y controla todos los parámetros mediante sus colaboradores que incluso realizan el making off. Vease youtube

En 2005 se sitúa en la Aldea Suojiacun artistas, un conjunto-residencia de artistas que fué objeto de una demolición programada por las autoridades Chinas. Él junto con otros  más de 100 artistas participaron en una acción creativa organizada por el curador Zhang Zhaohui y conformaron la exposición Demoledor! Demoledor! Demoledor!. Los artistas fueron invitados a hacer uso de los materiales de demolición de las obras para exponer una protesta contra la opresión del gobierno chino porque según el artista “el gobierno decidió impedir que los artistas pudieran vivir y trabajar juntos, a pesar de que el arte contemporáneo estaba en rápida expansión en Beijing en el momento” . La contribución de Liu Bolin fue “Ocultos demolición” y mostró el cuerpo de Liu Bolin, camuflado para mezclarse con los escombros. Fue la primera fotografía de esta sertie que luego fomentó la muestra de que hablamos aquí.

Hay varios interrogantes que nos trasladan a la génesis de esta serie: ¿Por qué Liu Bolin usó el color para crear la ilusión de camuflaje? Las imágenes Liu Bolin son, desde el conflicto con las autoridades chinas, una manera de expresar cómo su libertad artística fue violada en China, es la expresión y necesidad de ser imperceptible para permanecer en una actividad creativa, esta expresión inicialmente se fundamenta en una alegoría.

La foto inicial de la exposición “Hiding in the City” es una obra en la que Liu Bolin aparece en el estadio olímpico llamado “nido de pájaro” (por su estructura de vigas entrecruzadas), es decir, recreando los Juegos Olímpicos de Pekín 2008. El Estadio Olímpico fue construido por el estudio de arquitectura suizo Herzog & de Meuron, con el asesoramiento del artista chino Ai Weiwei en 2008. En abril de 2011 Ai Weiwei fue detenido por sus actividades críticas contra el régimen comunista. En sus fotografías, que se habían tomado varios años antes que de Ai Weiwei fue arrestado, Liu Bolin habría plasmado inconscientemente la tensa relación entre el gobierno y los artistas contemporáneos, el clima político y cultural de Beijing, según el curador Zhang Zhaohui

Liu Bolin (1973 -) nació en la provincia de Shangdong, y recibió su licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Artes de Shandong. Se mudó a Beijing en 1999 y estudió escultura de Sui Jiangou en la Academia Central de Bellas Artes. 2005 él tomó su grado de Maestría en Bellas Artes

Con el tiempo esta línea de trabajo body painting/camuflaje ha dado como resultado una muestra cosmopolita de diversos paisajes urbanos que se puede ver aquí y más extensamente mediante la galería Eli Klein de NY/Beijing ó en ibytes

 

 

Huahezu

Huahezu planea y plantea.

Con este titular tan rocambolesco y estrambótico damos entrada al anuncio de una nueva entrega de trabajos de un activista cultural y colaborador. Hacemos extensivo el aliño del titular para la presentación de esta suerte de superheroe marvel del activismo cultural.

En este trabajo encontramos una consolidación de estilos que ha tenido una fenomenal acogida entre los críticos de esta casa. Encontramos dos líneas de técnica imbricada: fotografía e ilustración. Una yuxtaposición armónica que enriquece los conceptos manejados: símbolos de factura lírica al servicio de un contrato de comunicación creíble y factible.

Huahezu
Serie Marvel New Super Héroes: Psicodelic Huahezu

Esta colección se encontrará desde ya en el espacio e-crayon en el Mercado de Campanar

Juan Jesús Peñarocha, conocido como “Huahezu“, es un anti-artista multidisciplinar y autodidacta. Su trayectoria esta fundamentada en la itinerancia a través de la experimentación. Itinerancia como capacidad de enviar y recibir, libertad de movimiento intelectual, traslación de diversidad escénica y suministro de ideas.

Huahezu huye de las normas académicas establecidas, reinterpreta el arte a su aire y compone desde su “ver la vida”. Incluye en su catálogo diversos aspectos, desde conceptos elementales hasta aparentes banalidades superfluas que ocultan la expresión de algo muy urgente y esencial en la vida de una persona. El conjunto tras este umbral compone su propio y característico dogma artístico que deviene en adjetivos de prefijo “in”, inenarrable, inefable, inclasificable y en palabras del propio autor: inexplicable.

El producto que resulta de su trabajo muestra en apariencia un lenguaje encerrado en sí mismo, como una forma más extrema que establece un diálogo con el mundo exterior mediante metalenguajes, autista y extraño, donde aparentemente tiene más urgencia la expresión propia. Sin embargo, existe el hecho comunicativo que sustancia un hombre luchando por encontrarse, por encontrar su voz, y en la contradicción emerge el principio de un diálogo que busca nuestra respuesta, un principio de comunicación que presupone que alguien escucha, que alguien interpretará y responderá. Como en las expresiones outsider , subyace una solicitud para el debido esfuerzo de la comprensión, para llegar a entender, conseguir respuestas, llegar al encuentro de emisor-receptor y hacerlo en espacios que hablan de aquellas cosas a las que nos enfrentamos todos, las que constituyen lo que nos importa…

Su preferencia por los soportes tecnológicos nos traslada al mundo “geek”. Él hace una apuesta por compartir el conocimiento, defiende el uso del software libre, software que utiliza para realizar sus propias creaciones. Un valor añadido, su compromiso social compartido con la comunidad de desarrolladores del software puesto a disposición de la sociedad.

Decía Alvin Toffler “El analfabeto de mañana no será la persona incapaz de leer. El analfabeto de mañana será la persona que no ha aprendido cómo aprender “. Podemos decir que su obra es un reflejo de está linea abierta de pensamiento, la de aprender y compartir conocimiento. Huahezu expone y da a conocer su obra del mismo modo que un internauta comparte sus ideas y su experiencia en un foro.

Ópticas y sensores intercambiables para cualquier marca

La industria de la fotografía blinda sus posibilidades de business.
Tecnológicamente es posible fabricar cuerpos de cámaras donde sea sustituible el conjunto de captación: chip procesador, sensor, circuito integrado, algoritmo de conversión señal analógico/digital y hasta el software de gestión. Esta configuración de las máquinas fotográficas permitiría al consumidor comprar cuerpos de una buena construcción que durasen como antaño las cámaras profesionales, cambiando los mecanismos de captación en función de las innovaciones tecnológicas y en cualquier caso, también daría una opción versátil de trasladar un conjunto sensor (CMOS, CCD, FOVEON) a otra máquina de distinto fabricante.
Lo mismo sucede con las ópticas intercambiables, un estándar de montura universal, permitiría montar ópticas de cualquier fabricante en diversas cámaras.
En definitiva estamos hablando, desde el aspecto técnico, de que un cuerpo de cámara no es más que una caja que contiene un sensor, aisla de la luz y dispone de diversos mecanismos para, de una forma u otra, administrar la entrada de luz hasta el sensor. Podríamos utilizar el símil del mecanismo de un botijo, por un lado entra luz y se deposita en otro, claro que esto es una ironía fácil, porque la mecánica de la cámara dispone de obturador, fotómetro, y además requiere subprogramas de gestión y edición.
Pero no nos confundamos, es posible -y sensato para el consumidor- aislar el cuerpo de la cámara dotándolo de adaptabilidad para cualquier dispositivo óptico y/o de captación. El problema radica en una industria dispuesta a ordeñar las posibibilidades mercantilistas de los avances tecnológicos, presentando modelos que hacen aportaciones novedosas por causa tecnológica y que se prodigan en múltiples productos de diversas marcas que conforman un universo de incompatibilidades y formatos, obligando al consumidor al recambio de todo el cuerpo de la cámara por un cambio tecnológico que probablemente ha sido administrado en su presentación a los mercados, agotando plazos de reposición y consumo. De la misma forma, la incompatibilidad en los sistemas de montura, hacen del consumidor esclavo de un fabricante (tras una inversión en lentes de una marca), una vez has comprado esa lente tan maravillosa y costosa, resulta que la marca en la que va montada se queda tecnológicamente atrasadilla en el desarrollo de sensores (sirva de ejemplo el caso de nikon en los tiempos de la D100) y no puedes cambiar de sistema-marca salvo que compres nuevas ópticas y desaproveches la inversión anteriormente realizada.

El grado de perversidad de este contexto nos llega de la mano de las informaciones volcadas por Wikileaks, nada que no sospecháramos. Un detallado recopilatorio de las actas de reuniones mantenidas al más alto nivel entre las firmas del sector, revela acuerdos para fortalecer el actual stablishment y la incompatibilidad entre diferentes sistemas, apostando por sensores de tamaño diferente que dificultasen, aún más, cualquier intento de homogenización inclusive en los ámbitos de las ópticas. Fuente: quesabesde

Hace tiempo que desde el proyecto e-crayon estamos explorando las posibilidades de reunir comunidades de desarrolladores, geeks de la fotografia, técnicos de ingeniería industrial, ingenieros de electrónica, y en definitiva, un grupo de personas con cualificaciones diversas que con un denominador común (liberar productos fotográficos) que quieran participar en un propósito de reprogramar chips de cámaras en el mercado de segunda mano, buscar chips y sensores disponibles en el mercado para su adaptación, creación de talleres de adaptación tecnológica digital y reutilización del amplio surtido de cámaras analógicas disponibles en el mercado de segunda mano en diferentes formatos: 35 mm,  formato medio y grande (Mamiya, Haselblad, Brónica, Sinar, Nikon, Pentax, etc). Suena un poco friki, pero esta es de las pocas opciones que tenemos consumidores y ciudadanos para contravenir las tendencias de mercado, tendencias que nos condenan a la obediencia sumisa respecto de los intereses mercantiles de la industria fotográfica. Cabe pués, propiciar la creatividad en todos los ámbitos y estar más cerca de la bienaventurada libertad.

El espíritu y parámetros que suscribimos para impulsar esta iniciativa que se haya en fase de reclutamiento son: trabajo a realizar en i+d, transferencia de conocimiento, actitud de crecimiento, honestidad de propósitos, compatibilidad de objetivos personales y sociales, claves empíricas y científicas metodológicamente aplicadas en los trabajos. Si estás interesado, escribenos mediante un comentario de esta noticia y nos llegará tu propuesta, que no será publicada como comentario y será totalmente privada.

Es de interés reseñar que ya hay personas trabajando en opciones no estandarizadas por las plataformas hegemónicas. Existen otros proyectos de desarrollo y producción, que inicialmente tienen una condición de progreso, colaboración, reparto de cargas de i+d y transferencia de conocimiento. Módelos como el de la plataforma Linux constituyen un refente.

En el escenario de desarrollo hablaremos de Guillermo Luijk. Este hace una labor como investigador experimental , poniendo a disposición sus conocimientos y ensayos. Luijk expone con claridad sus expectativas personales, considerando incluso su posterior y legítima rentabilización: “…Eso no quita para que en un momento dado surjan oportunidades en las que sea lícito aprovechar el esfuerzo realizado…”. Sus aportaciones hace tiempo que las vamos siguiendo y resultan ejemplares.

De otro lado, y como muestra de otras iniciativas, referiremos la creación de firmware para cámaras. Primero fué para la Canon EOS 40D, un sitio ruso lanzó un programa que permite grabar vídeo con esta cámara digital. Después Olivier Giron ha diseñado un software que permite capturar video en las nikon D700. Fuentes: Engadget , Makecine

Nocturnidad, jolgorio y bulla. By elcolores

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Erika Szöke. Juegos femeninos I

Una entrega de Erika, que hemos rescatado con motivo de la publicación de su web

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Getxophoto – Festival de Fotografía – Elogio del ocio – Septiembre

Ahí van un par de videos de presentación. Campaña realizada por contrapunto barcelona para Getxophoto 2010.

Getxophoto es una iniciativa que respira y vive.  Aparece como un festival imberbe impulsado por el colectivo Begihandi y dotado de buenos gestores, apoyos sociales, empresariales e institucionales como para permitirse una proyección de futuro. Lo celebramos. En apenas tres ediciones se consolida. A Alejandro Castellote -comisario durante las ediciones anteriores-  le releva Frank Kalero (el director de la revista Ojo de Pez).

La exploración,  la experimentación de formatos y lugares expositivos no habituales son claves de identidad del proyecto que abunda en planteamientos esenciales del pop-art fotográfico 2.0

Finalmente es una intervenión de la ciudad con el protagonismo de la comunicación de historias. Historias que reflejan universos ociosos como el de los skaters, los parques de atracciones o los aficionados a las play stations, hasta los que retratan aficiones más privadas o secretas como los intercambios de pareja, las muñecas hinchables, la bebida, el lujo y los ricos y retratos de culturistas femeninas de Martin Shoeller, más conocido por sus retratos de famosos para la revista New Yorker.

Entre las actividades de este festival hay un proyecto de reciclado de las lonas e imagenes empleadas en el certamen para objetos de uso corriente. Tambien intervenciones en directo, proyecciones y talleres a seguir.

Técnicas fotográficas: gigantografía

En el ámbito de la fotografía artística el mejor referente de la gigantografía es Jean-François Rauzier . Editen las fotos y flipen ampliando, la calidad técnica es impecable y su lenguaje visual se construye sobre una abundante arquitectura  poética.

En plan profesional así se hace para google earth, podemos encontrar un video en el que apreciar los procedimientos de captura en el Museo del Prado.

Otros sistemas de mostrar ampliaciones en el ámbito museístico son los empleados por el Museu Nacional d’Art de Catalunya (MNAC), vease el Armario de las tres llaves de Tortosa ó las pinturas murales románicas del ábside de Sant Climent de Taüll

En plan pro con menos recursos, vista del sistema GigaPan y Tripode para reflex del sistema GigaPan.

Por último, aquí se puede apreciar la magnitud máxima alcanzada por estos sistemas de composición  la más grande de todas.
La mayoría de fotos de ese tipo han sido capturadas con los trípodes robotizados de la firma GigaPan, en cuya web se pueden encontrar numerosos ejemplos de gigafotos, otras se han realizado mediante recopilaciones masivas de aficionados o diversos autores. Los trípodes robotizados funcionan de forma automática al indicarles el área que queremos fotografiar, disparando ellos mismos la cámara. Las fotos resultantes las fusiona el programa GigaPan Stitch creando la gigafoto final en función de los parámetros que determinemos. La fusión no siempre es perfecta, dependerá de la captura y  cuando haya sujetos en movimiento.

Existe un plugin para Flash: Kprano , que permite realizar composiciones con una carga creativa importante: ejemplo

Lúdico travel. By elcolores

Artwork made by “elcolores”

Chicago, Londres y Valencia. Las imágenes nos trasladan a un discurso estético acerca de su percención de estas ciudades. Los comentarios que se introducen en la presentación son indicios de su discurso visual.
Algunas de las fotografías de este trabajo creativo están reproducidas en formato vitrina. Las reproducciones estás armonizadas con las exigencias de conservación museística: Papel perlado y papel algodón Ilford de calidad fotográfica, tintas pigmentadas Vivera (garantia HP 200 años). Para la construcción de las vitrinas se emplean adhesivos, siliconas y materiales sin disolventes nocivos para el deterioro de la imagen y con tratamientos específicos antifúngicos.
Circunstancialmente puede hacerse -a petición- alguna reproducción y ampliaciones en formatos diferentes (lienzos, lonas, diversos marcos, tamaños específicos, etc)

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